Les 100 meilleurs films britanniques

'Les Britanniques arrivent', a claironné Chariots de feu scénariste Colin Welland tristement célèbre aux Oscars de 1982. En vérité « les Britanniques » étaient déjà là. Ils faisaient des films depuis plus d'un siècle, avec de nombreux chefs-d'œuvre adhésifs dans ce nombre. Comédies, drames, films de guerre, horreur... Les cinéastes britanniques ont prouvé qu'ils pouvaient s'attaquer à n'importe quel genre, et les meilleurs films britanniques peuvent être n'importe quoi, opposant les meilleurs films britanniques partout dans le monde.

De Hitchcock à Lean, Powell et Pressburger à Loach et Boyle, les 100 meilleurs films britanniques d'Apergo célèbrent les meilleurs d'entre eux. Voici la liste...

100. 45 ans (2015)

Réalisé par : Andrew Haight

Mettant en vedette : Charlotte Rampling, Tom Courtenay

Deux géants du cinéma britannique, travaillant étonnamment ensemble pour la première fois, font un double acte explosif dans ce Jeu à deux mains Norfolk . Charlotte Rampling a marqué son premier signe de tête aux Oscars en tant que Kate Mercer, la moitié d'un couple marié de longue date approchant une étape clé. L'autre moitié, son mari Geoff ( Tom Courtenay ), a des squelettes cachés depuis longtemps dans un placard - ou dans ce cas, un grenier - qu'elle découvre involontairement à ce moment clé. Cue brassant des tensions, une introspection angoissée et un portrait des défis automnaux du mariage qui est traité avec beaucoup de subtilité et de sensibilité par le réalisateur Andrew Haigh.

99. Le dossier Ipcress (1965)

Réalisé par : Sidney J. Furie

Mettant en vedette : Michael Caine, Gordon Jackson, Nigel Green, Guy Doleman, Sue Lloyd

Puisqu'il n'était tout simplement pas possible de rivaliser avec le 007 de Connery dans les enjeux de super-espionnage dans les années 60, la première adaptation par Sidney J. Furie des romans de la guerre froide de l'auteur devenu cuisinier Len Deighton va dans l'autre sens. Alors qu'il enquête sur des scientifiques kidnappés, l'homme de surveillance indiscipliné Harry Palmer ne fait pas de globe-trotter, de bed-hop ou d'échange de paroles avec des méchants mégalomanes caressant des chats ; il passe son temps à remplir des formulaires banals dans des bureaux ternes. Bien qu'il provienne de l'équipe créative de Bondian (supremo Harry Saltzman, designer Ken Adams, éditeur Peter Hunt, buteur John Barry), ce thriller labyrinthique offre une alternative crédible à Bond tout en embrassant la vie quotidienne britannique. Il y a aussi un soutien décent (notamment de Gordon Jackson), mais les aventures valent la peine d'être surveillées pour le rôle (sans doute) le plus emblématique de Michael Caine, où sa marque unique de cockney cool a vraiment commencé à briller.

98. Ah ! Quelle belle guerre (1969)

Réalisé par : Richard Attenborough

Mettant en vedette : Dirk Bogarde, John Mills, Vanessa Redgrave, Michael Redgrave, Maggie Smith, Laurence Olivier, Paul Shelley

Mettant en vedette suffisamment de Redgraves pour peupler une petite île, la comédie musicale de la Grande Guerre de Richard Attenborough affiche l'un des livres de contacts les plus volumineux de l'histoire du cinéma britannique. Le réalisateur a réuni la crème des talents d'acteur des années 60, l'a vêtu de kaki et l'a fait perdre dans une satire britannique unique. Parfois, il joue comme le jeu d'espionnage le plus théâtral de l'histoire. Le général derrière cette moustache touffue ? Laurence Olivier, bien sûr. Cette chanteuse de campagne de recrutement ? Maggie Smith. Et ces Dirk Bogarde, John Mills et Vanessa Redgrave ne font-ils pas leur part pour l'effort de guerre ? Oh! What A Luvvie War aurait pu être un meilleur titre. Mais la célébrité mise à part, cela s'ajoute à un acte d'accusation de la souffrance incommensurable de la guerre qui est à la fois cinglante et profondément émouvante. Si l'approche chronologique lui donne une qualité parfois épisodique, Attenborough chorégraphie le tout avec un tel flair et une telle compassion que cela ressemble à la leçon d'histoire la plus éblouissante du monde. Rempli de mélodies fredonnantes des tranchées et offrant l'un des plans finaux les plus déchirants du cinéma, c'est une épopée méconnue.

97. Fêtards 24 heures sur 24 (2002)

Réalisé par : Michel Winterbottom

Mettant en vedette : Steve Coogan, Paddy Considine, Shirley Henderson

Apparemment un film sur la scène musicale de Manchester entre 1976 et 1992, Fêtards 24h/24 passe plus de temps à se moquer de son personnage principal et narrateur, le propriétaire de la maison de disques Tony Wilson (joué par Steve Coogan ), que de relayer les histoires de Joy Division, New Order et Happy Mondays, qui sont toutes passées par son orbite. Mais alors que vous vous roulez sur le sol en riant lorsque Tony s'écrase contre un arbre en faisant du deltaplane, ou se fait attraper par sa femme à l'arrière d'un 'nosh van' en train d'obtenir des 'plaisirs oraux' d'un étranger, cela ne vous dérange vraiment pas à quel point la culture pop des années 90 prend vie – ou si ce qui est montré à l'écran s'est réellement produit en premier lieu. habilement dirigé par Fond d'hiver , 24HPP (comme personne ne l'appelle jamais) est beaucoup, beaucoup plus drôle que quiconque ne devrait jamais s'attendre à ce qu'un biopic soit. Si vous pouvez appeler cela un biopic. Ou s'attendre à quelque chose du tout, vraiment...

96. Rien à la bouche (1997)

Réalisé par : Gary Oldman

Mettant en vedette : Ray Winstone, Kathy Burke, Jamie Foreman, Charlie Creed-Miles

Nous savons tous que Gary Oldman est un acteur d'acteur – il a établi sa réputation sans aucun doute au cours des trois dernières décennies – mais cet effort (encore) unique en tant qu'auteur montre qu'il est aussi un metteur en scène d'acteur. Un regard troublant d'honnêteté et sans broncher sur la pratique et les résultats de la violence domestique, cela a donné Ray Winston une chance étonnante de briller et de l'établir à la fois comme un homme dur et un acteur capable d'une grande subtilité et d'une grande variété même s'il joue quelqu'un capable de ni l'un ni l'autre. Mais non moins capable est Kathy Burke, auparavant mieux connue pour la comédie télévisée, qui donne une performance en trois dimensions dans ce qui aurait pu être un simple rôle de 'victime'. Ce n'est pas un effort de bien-être - bien au contraire - mais un exorcisme semi-autobiographique des démons de l'éducation d'Oldman dans le sud de Londres qui montre un côté de la vie que nous préférerions tous ignorer. Peu de débuts sont aussi puissants ou mémorables.

95. La fille de Grégory (1981)

Réalisé par : Bill Forsyth

Mettant en vedette : John Gordon Sinclair, Dee Hepburn, Jake D'Arcy, Claire Grogan

Il existe de nombreuses comédies pour adolescents et comédies sexuelles pour adolescents. Aucun, cependant, ne s'approche La fille de Grégory , une histoire d'amour et de luxure brûlant dans toute son intensité adolescente qui gère à la fois le réalisme et l'hilarité indescriptible sans jamais oublier de sympathiser avec ses sujets. John Gordon Sinclair est le jeune frappé d'adoration pour la magnifique joueuse de football Dorothy (Dee Hepburn), tandis que Grogan joue Susan, l'amie de Dorothy et un bien meilleur pari pour le Roméo maladroit. C'est une configuration familière, mais elle n'a presque jamais été aussi bien observée ou intelligemment écrite qu'ici, ce dont tout le mérite revient à Bill Forsyth. Après tout, les dates qui impliquent des promenades sans but et des visites à la friterie sonneront un peu plus réalistes que le défilé sans fin de bals, de fêtes sur la plage et d'événements sportifs du cinéma américain. Considérez-le comme un compagnon du réalisateur Héros local , et installez-vous pour certains des rires réels les plus convaincants que vous n'aurez jamais vus au cinéma.

94. Tinker Tailor Soldier Spy (2011)

Réalisé par : Thomas Alfredson

Mettant en vedette : Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, Ciaran Hinds, Mark Strong, Tom Hardy

Une narration élégante et mesurée assure au thriller de la guerre froide de Tomas Alfredson une place sur la liste. Dirigé par Gary Oldman de George Smiley ('C'est un rôle assis', comme il le décrit), c'est une recherche à l'ancienne d'une taupe parmi les meilleurs espions de 'The Circus', quelque chose qui est rendu plus difficile par le fait qu'il est officiellement à la retraite. De plus, bien sûr, les suspects font partie des meilleurs acteurs de Blighty, de Colin Firth à Toby Jones et Ciaran Hinds, tandis que les pions en jeu incluent Mark Strong, Benedict Cumberbatch et Tom Hardy, donc ils ne seront pas faciles à lire. . Avec ce lot en pleine forme, Alfredson aurait peut-être été pardonné de simplement pointer la caméra sur eux et d'abandonner, mais en fait, il crée un Londres crasseux et distinctement des années 70 dans des tons sourds et des ombres sombres et donne à l'ensemble un éclat de incontestable qualité.

93. Brésil (1985)

Réalisé par : Terry Gilliam

Mettant en vedette : Jonathan Pryce, Kim Greist, Robert De Niro, Michael Palin, Ian Holm, Bob Hoskins

Il y a une cruelle ironie dans le fait que Terry Gilliam L'hymne à la non-conformité de s'est heurté à une énorme pression du studio pour se conformer aux attentes du public. Plus précisément, le grand fromage d'Universal Sid Sheinberg pensait que sa fin était trop sombre et avait besoin de moins, eh bien, de morosité. En tant que Sid Sheinberg, il était en mesure de forcer son tristement célèbre montage 'Love Conquers All', fournissant involontairement à la science-fiction unique de Gilliam la figure de Big Brother dont elle ne se vantait pas à l'écran. Sheinberg a eu moins de chance d'imposer un nouveau titre au film - le réalisateur lui-même a passé au peigne fin de nombreuses idées, parmi lesquelles Orwell faisant référence à '1984', avant de s'installer sur une référence latérale à une chansonnette d'avant-guerre appelée 'Aquarela do Brasil' - mais il a laissé le film s'envenimer si longtemps sur l'étagère que Gilliam en a été réduit à mendier sa sortie dans les publicités de la presse spécialisée. De l'autre côté de l'Atlantique, le public se délectait d'une vision dystopique qui a depuis été référencée par tout le monde, des frères Coen à Alex Proyas. Comme Métropole avec beaucoup plus de paperasse, c'est une vision tordue du melon d'une future bureaucratie devenue des crackers.

92. Quatre Lions (2010)

Réalisé par : Chris Morris

Mettant en vedette : Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay, Kayvan Novak, Adeel Akhtar, Craig Parkinson

Sur le papier, une comédie sur des musulmans britanniques radicalisés qui se font exploser pendant le marathon de Londres ne devrait pas être drôle, mais avec Chris Morris à la barre, rien ne peut être tenu pour acquis – pas même des gags sur la construction de bombes ou l'explosion de corbeaux. Morris réussit un tour incroyable en extrayant la comédie de la catastrophe avec l'aide d'un casting talentueux, Kayvan Novak au premier plan en tant que Waj sérieux avec Nigel Lindsay en tant que converti irascible Barry. Morris taquine le rire du ventre après le rire du ventre des personnages plutôt que la grossièreté, la sympathie plutôt que le dédain, tout en faisant valoir la nature du terrorisme. Rien que pour cet incroyable numéro d'équilibriste, Quatre Lions mérite une place là-haut avec La vie de Brian dans le temple de la renommée de la comédie controversée. Bien sûr, la fin quelque peu inévitable ne se trouverait pas dans la plupart des manuels 'comment gagner de l'argent en tournant la comédie', mais entre les mains magistrales de Morris, vous êtes assuré de rire hystérique et de vous gratter la tête plus lourdement. .

91. Les restes du jour (1993)

Réalisé par : James Ivoire

Mettant en vedette : Anthony Hopkins, Emma Thompson, Christopher Reeve, James Fox

Vous devez dépasser les imitateurs et les parodies, car ce classique Merchant-Ivory a inspiré des légions des deux, mais si vous le pouvez, vous trouverez que ce drame somptueusement tourné et magnifiquement discret en vaut la peine. Oubliez Hannibal Lecter : c'est Anthony Hopkins ' la meilleure performance par un mile de pays. En tant que majordome boutonné qui place la propriété sur tout le reste de sa vie, son tour est si restreint qu'il pourrait aussi bien porter une camisole de force, mais sous son humeur est claire, si vous faites attention, alors qu'il négocie avec des sympathisants fascistes. , les nouveaux arrivants américains et la gouvernante volontaire d'Emma Thompson. Le roman de Kazuo Ishiguro fournissait déjà le sens élégiaque de la mélancolie et des occasions manquées, mais cette adaptation ajoute de beaux visuels et un éclat raffiné que même Steven de Hopkins admirerait.

90. Dracula (1958)

Réalisé par : Terence Fisher

Mettant en vedette : Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Gough, Melissa Stribling

La vision de Hammer sur le grand papa du monde des vampires (en supposant que les vampires ont des pères) est plus sexy et plus sanglante que toute adaptation précédente et la plupart des efforts ultérieurs. Christopher Lee fait un comte imposant et fougueux, opposé à Van Helsing cool et cérébral de Peter Cushing dans une bataille pour l'âme de Mina Harker et de toutes les autres filles avenantes qui croisent son chemin. C'est un récit rapide de l'histoire, ne s'arrêtant qu'un instant ici et là alors que Dracula se profile de manière menaçante sur le cou de quelqu'un, et il a une partition riche qui maintient le sang pompé. La fin horrible du comte, la chair qui pèle et fond au soleil, est une image d'horreur emblématique et a beaucoup contribué à établir le style Hammer.

89. Les enfants du chemin de fer (1970)

Réalisé par : Lionel Jeffries

Mettant en vedette : Jenny Agutter, Sally Thomsett, Gary Warren, Bernard Cribbens, Dinah Sheridan

L'histoire, par E. Nesbit, est un classique pour enfants, et c'est la version définitive du film. Une famille est plongée dans la pauvreté et forcée de déménager à la campagne lorsque son père est accusé de trahison, mais entre jouer sur les lignes de chemin de fer (Les enfants : n'essayez pas cela à la maison) et divers actes d'héroïsme mineur, ils s'habituent à leur nouvelle vie. Gagner le chef de gare récalcitrant Bernard Cribbins et se lier d'amitié avec des étrangers dans les trains s'avère être sa propre récompense à la fin, menant à une fin heureuse qui fait encore pleurer les yeux. Sérieusement, si vous ne vous réveillez pas un peu quand Jenny Agutter, regardant à travers la vapeur, aperçoit son père et crie 'Papa, oh mon papa', nous ne pouvons que supposer que c'est parce que vos conduits lacrymaux ont été enlevés chirurgicalement.

88.Gandhi (1982)

Réalisé par : Richard Attenborough

Mettant en vedette : Ben Kingsley, John Gielgud, Trevor Howard, John Mills, Martin Sheen

Il y a épique, il y a vraiment épique, et puis il y a Gandhi . Comme il sied à l'une des figures les plus importantes du XXe siècle, et certainement l'une des plus admirables d'entre elles, Richard Attenborough a abordé ce biopic déterminé à rendre justice à la fois aux nobles idéaux du Mahatma et à l'ampleur de ses réalisations. Ainsi, la star Ben Kingsley donne vie à Gandhi sur une période de 55 ans, depuis les premières lueurs de sa conscience politique jusqu'à son assassinat éventuel, entouré de certains des meilleurs acteurs jamais sur scène ou à l'écran. En cours de route, Gandhi a apporté l'indépendance à l'Inde, a été le pionnier de la protestation pacifique à grande échelle et a fourni une nouvelle référence aux idéalistes du monde entier. La performance de Kingsley est extraordinaire, mais il est soutenu par la cinématographie radicale d'Attenborough et son énorme ambition – il y a des centaines de milliers de figurants dans cette scène funéraire, éclipsant même les armées d'Isengard pour l'échelle. C'est une référence folle qui, en ces jours numériques, ne sera jamais menacée, mais il est difficile de penser à un sujet plus digne.

87. Espoir et gloire (1987)

Réalisé par : Jean Boorman

Mettant en vedette : Sarah Miles, David Hayman, Sebastian Rice-Edwards, Ian Bannen

Cinq nominations aux Oscars sont un hommage à un film plus britannique sur le Blitz qui a trouvé un public admiratif des deux côtés de l'Atlantique. Vu à travers les yeux de Billy (Sebastian Rice-Edwards), dix ans, le film autobiographique de John Boorman transforme les banlieues bombardées de Londres en un terrain d'aventure géant pour les écoliers. Un compagnon intéressant – et mélancolique – de Steven Spielberg Apergo du soleil , filmé juste en bas de la rue presque en même temps, il regorge d'instantanés visuels d'une époque extraordinaire du passé de l'Angleterre, un album photo sépia ramené à la vie. Il est également plein de repères visuels surprenants. Soyez témoin de l'explosion soudaine d'une bombe de la Luftwaffe qui se déroule au ralenti horrifiant ou du poisson mort flottant que Billy et sa sœur doivent récupérer après qu'une bombe voyou a atterri dans la rivière. Mais le caractère aléatoire de l'impact de la guerre est mieux capturé par la découverte qu'une autre bombe voyous signifie que l'école est fermée - de façon permanente. « Merci Adolf ! » crient joyeusement Billy et ses copains. Vous voyez, la guerre n'est pas toujours un enfer, surtout quand elle vous sort du double calcul.

86. Les champs de la mort (1984)

Réalisé par : Roland Joffé

Mettant en vedette : Sam Waterston, Haing S. Ngor, John Malkovich, Julian Sands

Film primé aux Oscars d'une histoire récompensée par Pulitzer, le film de guerre de Roland Joffé est un examen étonnant et sobre d'une catastrophe humaine d'une ampleur à peine compréhensible. Ça suit New York Times le journaliste Sydney Schanberg (Waterston) et son interprète Dith Pran (l'oscarisé Ngor) à travers la fin brutale de l'incursion américaine au Cambodge. Grâce au moins en partie à son film, tout le monde sait ce qui s'est passé ensuite. Pol Pot et les Khmers rouges sont sortis de la fumée et ont transformé l'un des plus beaux pays du monde en cimetière. Joffé ne nous épargne rien de cette morosité. En bas de la rue, Kurtz de Brando a peut-être murmuré à propos de 'l'horreur', mais c'était là, de près et brutalement impersonnel. Schanberg a peut-être remporté ce Pulitzer pour son reportage, mais le journaliste intrépide de Haing Ngor est le cœur battant de l'histoire - et du film. Dans une coda tragique, l'homme qui l'incarnait, l'acteur pour la première fois Haing Ngor, a été abattu dans une rue de Los Angeles 22 ans plus tard.

85. Billy Menteur (1963)

Réalisé par : Jean Schlesinger

Mettant en vedette : Tom Courtenay, Julie Christie, Wilfred Pickles

Avant de traverser l'étang et de faire Cowboy de minuit et Marathonien , John Schlesinger a présidé l'une des plus grandes séquences de coups sûrs du cinéma britannique. En quatre années heureuses, lui et son producteur Joseph Janni se sont avérés Billy Menteur , Chérie et Loin de la foule déchainée . Le premier d'entre eux reste influent à ce jour, le garçon de petite ville à la Walter Mitty de Tom Courtenay avec de grands projets, un prototype pour un millier de rêveurs britanniques. Ricky Gervais cite Billy Menteur comme source d'inspiration pour Jonction du cimetière s'ennuient dans la vingtaine, mais le casting de soutien excentrique de Britanniques hétéroclites, du morticien lugubre de Leonard Rossiter à la personnalité télé de Leslie Randall ('Ça arrive'), sont également des éléments constitutifs des grandes sitcoms de Gervais. Billy, cependant, est le tour de force de Schlesinger et le réalisateur a dessiné la plus grande performance de Courtenay en tant que romantique adorable qui arrive à mitrailler quiconque contrecarre ses plans (dans ses rêves, bien sûr). Drôle et mélancolique, c'est un hymne poignant aux rêveurs brisés.

84. Hameau (1948)

Réalisé par : Laurence Olivier

Mettant en vedette : Laurence Olivier, Peter Cushing, Jean Simmons, Basil Sydney

Confronté aux pratiques de travail de la célèbre méthode Dustin Hoffman sur Marathonien , Sir Laurence Olivier aurait dit d'une voix traînante: 'Essayez d'agir, mon garçon; c'est plus facile.' C'est facile à dire pour lui; après tout, il a été salué presque dès ses années d'école comme le plus grand des interprètes britanniques, et un mémorial en bronze de son hameau se dresse à l'extérieur du théâtre national à ce jour. Ce disque en celluloïd de son Hamlet nous donne une idée de la raison : réalisé par Olivier lui-même (il était également l'un des premiers multitraits d'union) à l'apogée de ses pouvoirs et de sa beauté, il s'agit toujours d'un portrait convaincant du Danois, même si les styles d'acteur ont évolué. changé depuis lors. Alors que Kenneth Branagh Hamlet est plus riche en lieux et en scènes extérieures, c'est tellement une façade à côté de la puissance toujours captivante de l'histoire elle-même, et là, Olivier excelle.

83. Chute céleste (2012)

Réalisé par : Sam Mendes

Mettant en vedette : Daniel Craig, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw

Après Quantum de réconfort , Sam Mendes Les débuts de 007 ressemblent à un redémarrage pour le Daniel Craig ère. Exit le mystificateur Quantum et son plan sournois pour faire telle ou telle chose en Bolivie ; est venu l'arc et a motivé Silva ( Javier Bardem ) pour ajouter une dose indispensable de théâtralité et de menace à la franchise. Craig semble revigoré, éclairé au néon dans une séquence virtuose de Shanghai et mêlant le débonnaire au mortel alors que l'histoire passe d'un hommage affectueux à Bond à un autre. Aucun des hochements de tête ne semble maladroit, ce qui témoigne de la légèreté du toucher de Mendes, et la fin a laissé la plus belle forme de navire de Grande-Bretagne.

82. La Dame disparaît (1938)

Réalisé par : Alfred Hitchcock

Mettant en vedette : Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Basil Radford, May Whitty, Naunton Wayne

Cela en dit long sur les thrillers d'Hitchcock qu'ils ont l'habitude de réapparaître dans les fils de discussion modernes. Fenêtre arrière est devenu Troubles , Composez M pour le meurtre transformé en Le meurtre parfait , et ce thriller a poussé Jodie Foster à chercher frénétiquement Plan de vol l'avion de ligne pour sa fille disparue. Tous les trois sont un rappel pratique que personne ne fait Hitchcock comme l'homme lui-même : pour les personnages intemporels et les plans diaboliques, il est tout simplement incomparable. Montant à bord de son thriller en train, le musicologue folk Gilbert (Redgrave) et sa nouvelle compagne Iris (Lockwood), une femme intelligente rentrant chez elle pour épouser son 'chercheur de chèques au sang bleu', qui se retrouvent piégés parmi des agents à la gâchette heureuse. Lorsque la gouvernante tatillonne Miss Froy (Whitty) disparaît mystérieusement du wagon-restaurant, le couple pétillant demande à son détective amateur de la retrouver. Même avec l'aide de Basil Rathbone et de Naunton Wayne, obsédés par le cricket, leur voyage à travers le pays fictif de Bandrika devient plus dangereux à chaque kilomètre qui passe. C'est aussi amusant que vous pouvez avoir dans un train, bien que si vous pouvez repérer ce camée Hitch, vous avez des yeux plus perçants que nous.

81. Paddington (2014)

Réalisé par : Paul Roi

Mettant en vedette : Ben Whishaw (voix), Nicole Kidman, Hugh Bonneville, Sally Hawkins, Julie Walters

Un gros câlin d'un film, Paddington a charmé le public et les critiques dans l'une des plus belles surprises de 2014, s'ajoutant au canon des films de Noël bien-aimés et prouvant que les ours ne sont pas réservés aux documentaires de Werner Herzog et à Leonardo DiCaprio. Paul Roi (réalisateur/co-scénariste), Ben Wishaw (voix) et Framestore (effets visuels) ont combiné leurs talents pour faire un cas drôle et émouvant pour une Grande-Bretagne plus gentille et plus tolérante. Après le Brexit, cela ressemble plus à un beau rêve. Cherchez Paddington combattant Nigel Farage dans Paddington 2: Dark Territory.

80. Au revoir, monsieur Chips (1939)

Réalisé par : Sam Bois

Mettant en vedette : Robert Donat, Greer Garson, Terry Kilburn, John Mills, Paul Henreid

Si vous connaissez un enseignant qui vient de passer une mauvaise journée, mettez ceci pour lui rappeler l'importance de ce qu'il fait. Un regard profondément émouvant mais heureusement sans sentimental sur la carrière d'un enseignant sur une période de 50 ans, qui relate ses premières années difficiles, les changements provoqués par l'arrivée de sa femme et les profondes cicatrices - personnelles et professionnelles - prises en cours de route. Alors que d'un côté, il y a les générations successives d'une même famille qui reviennent sans cesse à l'école, de l'autre, il y a les services commémoratifs pour les morts de plusieurs conflits, aboutissant à la dévastation de la Première Guerre mondiale. Cela sert de chronique de un monde en évolution ainsi que la vie d'un homme, et il sert d'hommage à la grandeur ordinaire et quotidienne.

79. Le discours du roi (2010)

Réalisé par : Tom Hopper

Mettant en vedette : Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Timothy Spall

Un film sur un posho bègue n'est pas le plaisir le plus évident de l'histoire du cinéma, même avec un réalisateur prodige et la star la plus sympathique de ce côté de Tom Hanks. Et pourtant c'est en quelque sorte cinéma captivant et plein de suspense , une sorte de Rocheux pour le concurrent non physique et une histoire d'outsider qui ferait un acclamation de pierre. Colin Firth joue Bertie, le prince des années 1930 et futur George VI affligé d'un terrible trouble de la parole qui paralyse ses efforts pour parler en public; Helena Bonham Carter est sa femme qui le soutient sans cesse et Geoffroy Rush son orthophoniste excentrique. C'est bavard, c'est en grande partie situé dans un sous-sol de Londres avec des murs qui s'écaillent et des planchers qui grincent, et c'est des trucs au bord de votre siège alors que Bertie a du mal à faire passer un mot, et fait face à la fois au trône et au déclenchement de la guerre avec moins d'appréhension que il s'exhibe face à un micro ou à un petit public. Des trucs émouvants, peu importe ce que vous pensez de la monarchie.

78. Henri V (1989)

Réalisé par : Kenneth Branagh

Mettant en vedette : Kenneth Branagh, Derek Jacobi, Brian Blessed, Emma Thompson

Cela ne fournit peut-être pas tout à fait la 'muse du feu' que le narrateur de Shakespeare souhaitait en racontant l'histoire de Henri V , mais il se rapproche plus que toute autre adaptation pour illustrer l'ampleur et la portée de ses guerres contre les Français, et donne même à la version précédemment standard de Laurence Olivier une course pour son argent dans les enjeux du personnage. Le prodige shakespearien Branagh a suivi les traces d'Olivier lors de ses débuts en tant que réalisateur, se dirigeant alors que le jeune roi se lançait dans une guerre en France et faisait face à des obstacles écrasants. Ces batailles sont sanglantes, boueuses et peu galantes, tirant le meilleur parti de l'ampleur et des lieux du cinéma et loin des adaptations souvent sèches qui étaient auparavant la règle. Le grand nombre de sommités dans le casting est presque distrayant (même Christian Bale est caché là-dedans quelque part) mais si vous ne ressentez pas d'agitation lors du discours de la Saint-Crispin, vous êtes soit mort à l'intérieur, soit français.

77. Harry Potter et les reliques de la mort : deuxième partie (2011)

Réalisé par : David Yates

Mettant en vedette : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes

Le deuxième film le plus récent sur la liste, cela obtient une place pour faire l'impossible: ne pas sortir avec un gémissement. Les attentes pour ce huitième volet de la série étaient si élevées que vous auriez pardonné au réalisateur David Yates de s'être enfermé dans le bureau de Dumbledore et d'avoir refusé de sortir jusqu'à ce que tout soit terminé, mais à la place, il s'est avéré bourré d'action et axé sur les personnages. , finale parfois brutale des aventures du garçon sorcier. Enfin, il y a la guerre magique totale que la série avait toujours évitée; enfin, il y a une résolution à l'énigme Harry et Voldemort. Si rien d'autre, vous devez admirer le culot d'une série qui non seulement prend le temps d'une escapade métaphysique au milieu de la grande bataille finale, mais fait également l'impensable et laisse le méchant remporter sa victoire en cours de route.

76. Nue (1993)

Réalisé par : Mike Leigh

Mettant en vedette : David Thewlis, Lesley Sharp, Katrin Cartlidge, Ewen Bremmer

Naked représentait un changement dans le travail de Mike Leigh loin des études perçantes des banalités domestiques vers quelque chose de beaucoup plus audacieux. David Thewlis est Johnny, un vagabond sans emploi et suréduqué qui vient à Londres pour fuir une agression sexuelle à Manchester et reste avec une ex-petite amie (Lesley Sharp), couche avec sa colocataire (Katrin Cartlidge) et expose généralement ses visions du monde caustiques à n'importe qui. qui écoute. Naked voit Leigh se familiariser non seulement avec une sous-culture différente - le Londres souterrain - mais aussi avec le cinéma, la cinématographie de Dick Pope pleine de travellings et de stratégies d'éclairage intéressantes qui semblaient nouvelles dans le travail de Leigh. Ce qui ne surprend pas, c'est la force en profondeur des performances : Thewlis est formidable dans le rôle de Johnny - amer, articulé, profondément désagréable, toujours convaincant. Si vous ne l'avez jamais vu que dans Harry Potter , rectifiez cela maintenant.

75. Serrure, stock et deux barils fumants (1998)

Réalisé par : Guy Ritchie

Mettant en vedette : Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Nick Moran, Jason Statham

Il y a un débat éternel dans les pubs qui pose la question : qu'est-ce qui est le mieux, Arracher ou Verrouiller les stocks ? Arracher les apologistes parlent un bon jeu, mais la bonne réponse est, bien sûr, Guy Ritchie débuts à couper le souffle. Après tout, c'est un film qui a apporté au monde 'The Stath', Vinnie Jones martelant le crâne de quelqu'un avec une portière de voiture, et la connaissance qu'un gros gode violet peut être utilisé comme une arme offensive. Essentiellement, la plus hirsute des histoires de chiens hirsutes - appeler l'intrigue 'complexe', c'est lui rendre un mauvais service - tout est si bien fait, livré avec une telle confiance et écrit avec une tournure de phrase si étonnante que d'une manière ou d'une autre, le to- aller-retour fonctionne comme sur des roulettes. Si bien, en fait, que plus de 18 ans plus tard, il reste le meilleur film de Ritchie, une réalisation fantastique d'un premier réalisateur qui a pris un groupe d'acteurs méticuleusement choisis mais relativement inconnus et les a transformés en or solide.

74. Étoilé (2013)

Réalisé par : David Mackenzie

Mettant en vedette : Jack O'Connell, Ben Mendelsohn, Rupert Friend

Une carte de visite fulgurante pour sa star, Jack O'Connell , et directeur, David Mackenzie, un autre de Étoilé 's MVPs est une figure annoncée. Le thérapeute devenu scénariste Jonathan Asser canalise sa propre expérience de travail pour réhabiliter les prisonniers dans une représentation violente, meurtrière et surtout réaliste de la vie à l'intérieur. O'Connell apporte une concentration et une férocité de faisceau laser au rôle d'un jeune délinquant incontrôlable qui a dû être «incarné» dans une prison pour adultes. C'est un tournant arrogant et charismatique qui rappelle Finney, Burton et Courtenay et à l'apogée de la nouvelle vague britannique.

73. Expiation (2007)

Réalisé par : Joe Wright

Mettant en vedette : James McAvoy, Keira Knightley, Saoirse Ronan, Romola Garai, Vanessa Redgrave

Expiation devrait être comme tous les clichés de films britanniques réunis en un seul : il y a un peu dans une maison de campagne, un peu dans la Seconde Guerre mondiale et un peu où il y a un évier de cuisine. Et encore Joe Wright L'adaptation du roman de Ian McEwan se sent distincte et entièrement sa propre bête. C'est en partie dû à d'excellentes performances et à une structure sinueuse et non strictement linéaire, et en partie à cause de la bravoure de la narration de Joe Wright - comme en témoigne le tir dévastateur de Steadicam Dunkirk, ou la confrontation laconique entre l'adulte Briony (Ronan / Garai / Redgrave ) et le couple qu'elle a fait du tort (McAvoy et Knightley). L'erreur initiale, née de la stupidité et de la suffisance adolescentes, devient incontrôlable, roule jusqu'à l'âge adulte et éclipse un certain nombre de vies. La révélation finale de ses conséquences est dévastatrice, aussi inévitable soit-elle.

72. L'homme au costume blanc (1951)

Réalisé par : Alexandre Mackendrick

Mettant en vedette : Alec Guinness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough

Alexander Mackendrick mérite qu'on se souvienne de lui plus en évidence qu'il ne l'est parmi les titans du cinéma britannique, étant donné qu'il est responsable de classiques comme Whisky à gogo ! , Les tueurs de dames et cette satire mordante . Alec Guinness joue le jeune chimiste idéaliste qui invente un tissu révolutionnaire qui ne s'use jamais et ne nécessite pas de lavage - seulement pour apprendre que les industriels et les travailleurs sont unis contre son tissu merveilleux, terrifiés à l'idée qu'il détruise l'économie et les mette tous à la faillite . S'il n'est pas aussi vicieux que le grand effort américain de Mackendrick, La douce odeur du succès , c'est encore une vision très cynique des chances d'une véritable innovation dans notre monde imparfait, et elle semble aussi pertinente aujourd'hui qu'elle l'était il y a 60 ans, sinon plus (voir Qui a tué la voiture électrique? pour une application réelle). C'est une comédie - plus ou moins - mais cela vous laissera réfléchir longtemps après le générique.

71. Contrôle (2007)

Réalisé par : Anton Corbijn

Mettant en vedette : Sam Riley, Toby Kebbell, Samantha Morton, Alexandra Maria Lara

Un visage frais Sam Riley a pris sa place dans le panthéon des rockstars à l'écran avec sa représentation du leader de Joy Division, Ian Curtis. Nous disons qu'il est plus qu'un match musical pour Ian Dury d'Andy Serkis, Sid Vicious de Gary Oldman ou Jim Morrison de Val Kilmer - même si son pantalon n'est pas aussi serré. Pleine d'énergie nerveuse et de charisme sur scène, la star post-punk de Riley est une âme troublée qui passe de l'exaltation au désespoir. Nous savons ce qui vient de la première bobine, mais nous l'avons vécu à travers les yeux de Debbie Curtis ( Samantha Morton ), son suicide revient toujours comme un coup de poing dans le ventre. Si la musique de Joy Division ne le fait pas pour vous - et Riley et co. reprendre leurs plus grands moments avec plus de panache qu'on est en droit d'attendre de non-musiciens - il y a Anton Corbijn de superbes photographies en noir et blanc pour apprécier et Toby Kebbell de l'hilarant Rob Gretton à apprécier. Franchement, si ça ne te suffit pas, tu es une grosse bite de chien.

70. Casino Royale (2006)

Réalisé par : Martin Campbell

Mettant en vedette : Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench

Ce n'était pas Pierce Brosnan C'est la faute si la franchise Bond s'est échouée, mais vous pouvez également difficilement blâmer Daniel Craig que certains fanatiques de 007 ne pouvaient pas le voir refléter le charme suave de Brosnan, l'humour ironique de Moore ou la capacité de Sean Connery à avoir l'air profondément sexy même en portant un pantalon de papa et une visière de golf. Tout le farrago de Craig-not-Bond rappelait qu'au début des années 60, même Connery n'était pas le premier choix de tout le monde. Cela semblait bien fonctionner et donc, avec insistance, l'a fait. Bien sûr, nous aurions probablement sacrifié tout ce placement de produit avant le démon des gadgets, Q, et nous avons un peu raté les lignes idiotes de baiser, mais le retour de Bond a répondu à toutes les attentes raisonnables et les a ensuite dépassées. Chez Craig première 00-apparition , un flashback de type Bourne assez féroce pour immobiliser les cinéphiles dans leurs sièges, chaque pas de coup de tête, de pose et de maillot de bain ressemblait à un énoncé de mission pour la franchise renaissante. « Comment est-il mort, votre contact ? interroge un officier responsable du premier meurtre de Bond. 'Pas bien', lance 007. Vous pouvez presque entendre la voiture télécommandée reculer précipitamment dans le garage.

69. Explosion (1966)

Réalisé par : Michel-Ange Antonioni

Mettant en vedette : David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, John Castle

Comme on peut s'y attendre de l'homme derrière L'aventure et la note , le swing de Londres de Michelangelo Antonioni est un endroit assez noble. Les ébats sexy 24 heures sur 24 et 7 jours sur 7 sur le pad du vivaneau de la mode Thomas (Hemmings) peuvent sembler un peu, eh bien, Austin Powers-y ces jours-ci, mais le grand italien était très sérieux avec son adaptation de la nouvelle de Julio Cortázar. Derrière toute la mousseline et la pose se cache une prémisse très intelligente que Brian De Palma empruntera plus tard pour son thriller Éteindre (1981). Le David Bailey de Hemmings se rend compte qu'il a involontairement photographié un meurtrier caché dans la limite des arbres d'un parc déserté. De retour le lendemain, il tombe sur le corps de la victime, seulement pour qu'il disparaisse peu de temps après. Le vivaneau s'arrachera-t-il à l'ébat sexy assez longtemps pour résoudre l'affaire et traduire le tueur en justice ? Allez, c'est d'Antonioni dont nous parlons. Si vous avez vu L'aventure , vous saurez qu'il préfère ses mystères non résolus.

68. Séné (2010)

Réalisé par : Asif Kapadia

Mettant en vedette : Ayrton Senna, Alain Prost, Frank Williams

Loin du petrolhead teint dans la laine auquel vous pourriez vous attendre, Asif Kapadia La connaissance de la Formule 1 était assez limitée lorsqu'il s'est mis au travail sur son étude fascinante du personnage de la superstar brésilienne Ayrton Senna. Cela en dit long sur le charisme de Senna que le résultat brille toujours d'une affection fanboy pour son sujet. Comme Apergo , sa vie et sa mort sont racontées dans un style 'ambitieusement construit, profondément convaincant et passionnant'. Kapadia n'en avait pas fini là : il répéterait le tour avec Amy Winehouse dans Amy cinq ans plus tard.

67. Dans la boucle (2009)

Réalisé par : Armando Iannucci

Mettant en vedette : Tom Hollander, James Gandolfini, Mimi Kennedy, Chris Addison, Peter Capaldi, Gina McKee.

Preuve définitive que la politique - ou les films sur la politique, du moins - peuvent être drôlement drôles, Dans la boucle est une masterclass remplie de jurons dans la satire politique moderne, disant au revoir au New Labour avec un dernier coup de pied cinématographique dans les couilles. Essentiellement un spin-off de la sitcom tout aussi hilarante de la BBC L'épaisseur de celui-ci , il partage bon nombre des mêmes personnages, notamment Malcolm Tucker, le spin doctor écossais mal embouché de Peter Capaldi. Craquant des phrases comme 'Christ dans un bus flexible. Ne sois pas si con' et 'Bonjour, mes petites nanas et bites', il est définitivement la star de la série, mais Chris Addison, James Gandolfini et Steve Coogan vole aussi une bonne scène. Alors chapeau au scénariste / réalisateur / génie de la vraie vie Armando Iannucci pour avoir été le premier à prouver que les spin-offs de sitcom peuvent fonctionner au 21e siècle. Si vous êtes dans l'ambiance de plus de sitcoms transformés en films, rendez-vous ici .

66. L'homme sur le fil (2008)

Réalisé par : James Marais

Mettant en vedette : Philippe Petit, Jean Francois Heckel, Jean-Louis Blondeau

C'est un film documentaire sur un événement si fantastique que vous ne pourriez pas le scénariser. C'est un film de braquage sans aucune tentative de vol. C'est un film sur le World Trade Center qui ne mentionne pas du tout les événements du 11 septembre. Et encore Homme sur le fil fonctionne non seulement avec brio, mais s'accroche comme un étau car il raconte l'histoire du casse-cou Philippe Petit et de sa mission distinctement non autorisée de 1974 de marcher sur la corde raide (et de danser, de tourner et de s'asseoir) sur une corde tendue à 110 étages entre les sommets de la tours jumelles du WTC. Des mois de planification et des heures d'exécution, cette combinaison de vidéo contemporaine et de reconstruction partielle donne aux téléspectateurs modernes la chance de partager les exploits magiques et clairement impossibles (pour toutes les personnes rationnelles, du moins) de Petit, toujours une figure infiniment énergique et , nous devons supposer, quelque chose d'un magicien. Et pour plus de grands documentaires, consultez notre liste des meilleurs exemples sur Netflix .

65. La faim (2008)

Réalisé par : Steve McQueen

Mettant en vedette : Liam Cunningham, Michael Fassbender, Liam McMahon

Comme Sam Taylor-Wood, Julian Schnabel et, euh, Tony Hart, l'artiste-réalisateur Steve McQueen s'est avéré être un coup de main dans les deux types de studio. Son premier long métrage, une méditation austère sur la protestation politique, a largement écarté la politique réelle derrière la grève de la faim de Bobby Sands (Fassbender) en 1981 pour zoomer sur l'homme lui-même. Ce n'est pas une montre facile, par tous les moyens. L'étonnante représentation de Michael Fassbender de l'homme mourant de l'IRA est inquiétante, tandis que la prison du labyrinthe de McQueen, les murs tachés d'excréments, les couloirs d'urine et tout, hantera vos rêves. Le Fassbender de 33 livres a perdu pour la partie, un Machinist -comme plonger dans l'émaciation, se traduit par une performance remplie d'une détermination à paupières lourdes : le corps plus frêle de Sands devient plus fort qu'il semble, une dichotomie que l'acteur explore à fond. Son échange de 17 minutes avec le prêtre catholique de Liam Cunningham offre une scène centrale électrique capturée en une seule prise discrète par la caméra de McQueen. D'accord, Hunger n'est probablement pas un film pour s'installer avec une pizza, mais c'est une œuvre d'art moderne essentielle d'un réalisateur dont nous verrons beaucoup plus.

64. La foule de Lavender Hill (1951)

*Réalisé par : Charles Crichton

Mettant en vedette : Alec Guinness, Stanley Holloway, Sid James, Alfie Bass

Un autre joyau étincelant dans la couronne déjà étincelante des studios Ealing, La foule de Lavender Hill est une comédie britannique étrangement satirique parmi leurs meilleures. Produit au milieu de ce que beaucoup considèrent comme les années de pointe du studio (la période d'après-guerre de 1947 à 1955), le réalisateur Charles Crichton et le scénariste oscarisé T.E.B. Clark a conçu une câpre criminelle sympathiquement amorale centrée sur le doux employé de banque d'Alec Guinness qui décide de réaliser un brillant vol d'or. Bien que les scènes ultérieures suggèrent une direction peut-être plus sombre (la poursuite de la tour Eiffel, par exemple, a des nuances évidentes d'Hitchcock), il s'agit d'une affaire plus légère que d'autres chefs-d'œuvre d'Ealing tels que Bons coeurs et couronnes ou Les tueurs de dames . Le casting chante (pas littéralement), mais les moments les plus satisfaisants appartiennent tous deux à Guinness ; d'abord, lorsqu'il se rend compte qu'il est le patron de la mafia éponyme, et ensuite lorsqu'il admet de manière attachante qu'il aimerait être appelé 'Néerlandais'.

63. Chariots de feu (1981)

Réalisé par : Hugues Hudson

Mettant en vedette : Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Ian Holm

Chariots de feu est peut-être la définition d'un film qui a eu trop de succès pour son propre bien. Les nouveaux venus du vingt-et-unième siècle dans le drame sportif classique de Hugh Hudson doivent creuser à travers un saut d'obstacles de battage médiatique, un slogan qui se profile comme un nuage d'orage (le scénariste Colin Welland peut toujours regretter d'avoir crié, 'Les Britanniques arrivent' en ramassant son Oscar), et une petite armée de haut-de-forme portant des personnages toujours aussi prétentieux dont il est difficile de ne pas rire à l'occasion. Mais si vous pouvez voir à travers tout cela, il y a un beau film en dessous, traitant de la dévotion et de l'identité, de la religion et de la renommée. Et c'est sans parler de la partition toujours époustouflante de Vangelis, même si elle est maintenant légèrement clichée, un chef-d'œuvre de synthétiseur qui s'intègre parfaitement dans le décor des années 1920 du film. C'est un morceau de musique si magnifique qu'il rendrait Zookeeper regardable, et nous ne disons pas cela à la légère. Alors que l'année des Jeux olympiques de Londres approche à grands pas, attendez-vous à ce que le film revienne en grâce dans un flamboiement de patriotisme pas le dimanche et de sifflements légèrement sans mélodie. Hourra!

62. Secrets et mensonges (1996)

Réalisé par : Mike Leigh

Mettant en vedette : Brenda Blethyn, Marianne Jean-Baptiste, Timothy Spall, Phyllis Logan

Comme beaucoup de films de Mike Leigh, Secrets et mensonges n'était que vaguement scénarisé, les acteurs improvisant ensuite le reste. L'idée centrale est entièrement celle de Leigh - dans ce cas, une femme noire adoptée de la classe moyenne (Jean-Baptiste dans le rôle d'Hortense Cumberbatch) découvre que sa vraie mère est blanche et de la classe ouvrière (Blethyn dans le rôle de Cynthia Purley), jetant leurs vies dans une situation émotionnelle maelström - mais pour la plupart, les lignes sont propres aux acteurs. Cela n'a pas empêché l'Académie de nommer Leigh pour le meilleur scénario (ainsi que le meilleur réalisateur et le meilleur film, en plus des hochements de tête pour Jean-Baptiste et Blethyn) - et cela n'aurait pas dû non plus. La technique de mise en scène peu orthodoxe de Leigh n'est peut-être pas celle d'Hollywood, mais lorsque le résultat est aussi touchant et hilarant que Secrets et mensonges , peu importe. Bien sûr, aucun homme chauve doré ne s'est retrouvé entre les mains de Leigh, mais de nombreux BAFTA l'ont fait, ainsi que la Palme d'Or, ce qui en fait confortablement le plus grand succès critique de sa carrière.

61. Le plein Monty (1997)

Réalisé par : Pierre Cattaneo

Mettant en vedette : Robert Carlyle, Mark Addy, Tom Wilkinson, Paul Barber, Hugo Speer

Les cyniques reprochent souvent au cinéma britannique de se diviser en deux catégories distinctes : les efforts en matière de costumes brillants et les drames sinistres du nord. Celui-ci, cependant, parvient à faire lever la tristesse (toujours très présente dans l'ombre constante de l'effondrement économique) avec un sens de l'humour et une détermination tranquille, alors qu'un gang de chômeurs de l'acier essaie de gagner un peu d'argent en se déshabillant. complètement nue pour une horde de femmes aboyantes. C'est une véritable histoire d'outsider, collée par des performances immensément sympathiques, en particulier de Carlyle, Addy et Wilkinson, qui ont tous été lancés à Hollywood après leur tour ici. Cela vaut la peine de regarder juste pour la scène de danse de la file d'attente du bureau de poste, où chacune des équipes commence tranquillement à se déplacer au rythme de la musique en attendant leurs chèques d'allocation.

60. Une dure journée de nuit (1964)

Réalisé par : Richard Lester

Mettant en vedette : Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr, George Harrison

C'est plus qu'une simple promo musicale. C'est plus qu'une tentative pré-MTV de commercialiser un groupe à travers le film. C'est une comédie honnête envers Dieu avec un esprit et un cœur authentiques et aussi - pas par hasard - des airs formidables. Une journée dans la vie des Fab Four au plus fort de la Beatlemania, précipitée avant leur déclin inévitable (ainsi pensaient les dirigeants), cela a largement contribué à établir les perceptions populaires de chacun des groupes, avec Lennon comme le malin, McCartney le sensé, Harrison calme et Starr un clown. Mis à part les éléments comiques évidents, une grande partie était fidèle à leur vie à l'époque, le scénariste Alun Owen passant des semaines avec le groupe à observer leur réalité avant de construire son scénario. La direction sûre de Richard Lester et des touches plus fantastiques ont complété le tableau, réinventant le biopic musical et inspirant tout, des films d'espionnage aux Monkees.

59. Peeping Tom (1960)

Réalisé par : Michel Powel

Mettant en vedette : Carl Boehm, Anna Massey, Moira Shearer, Maxine Audley

La moitié du plus grand double acte cinématographique britannique, le côté le plus sombre de Michael Powell est venu jouer quand son vieil ami Emeric Pressburger n'était pas là. Powell s'est lancé seul avec ce thriller surprenant sur un cinéaste tueur en série (Boehm) qui assassine ses sujets avec une lame cachée dans son trépied. Le public et les critiques l'ont détesté, et la controverse qui a entouré sa sortie était si âcre qu'elle a pratiquement mis fin à la carrière de Powell. Étrangement, il n'était pas tout à fait seul à repousser ses limites : Hitchcock Psycho provoquait des décharges psycho-sexuelles similaires de l'autre côté de l'étang en même temps. La différence? Hitch a remporté quatre Oscars et suffisamment de butin au box-office pour remplir le motel Bates; Voyeur joué dans des cinémas vides. 'Entièrement diabolique', a pesté un critique – et c'était l'une des critiques les plus positives. Les idées surprenantes de Peeping Tom – en particulier sa suggestion que le public était complice des meurtres brutaux de Boehm – étaient tout simplement trop difficiles à mâcher pour les téléspectateurs contemporains. Comme le souligne Martin Scorsese, l'un des grands champions du film : 'Cela montre comment la caméra viole et l'agressivité du cinéma.' Comme Un homme mord un chien à une époque plus réactionnaire, il disait des choses que personne ne voulait entendre. Heureusement, le temps qui passe a été beaucoup plus gentil, bien que ce ne soit toujours pas un film de rendez-vous brillant.

58. Slumdog Millionaire (2008)

Réalisé par : Danny Boyle

Mettant en vedette : Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor

Totalisant tous les scores, Slumdog a remporté huit Oscars (sur dix nominations) - dont celui du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario adapté - ainsi que sept BAFTA, quatre Golden Globes et un train entier de plus de gongs en 2008. Quelle que soit la façon dont vous le coupez, c'est un gros cheminée. En le revoyant maintenant, il est facile de comprendre pourquoi. La magnifique cinématographie d'Anthony Dod Mantle fait de l'Inde un lieu à part entière, et Jamal (Patel) et Latika (Pinto) livrent les moments romantiques les plus doux vus dans les cinémas de ce siècle, y compris cette glorieuse séquence de danse au générique. Certains critiques l'ont proclamé 'se sentir bien', mais avec l'obscurité persistante (l'esclavage des enfants, les interrogatoires assistés par batterie, le trafic de drogue et la violence, n'importe qui?) Qui surgissent, nous ne savons pas où ils ont eu cette idée. Pourtant, cela reste un mélodrame hollywoodien époustouflant, Capra-esque, qui a époustouflé le monde et a rappelé à tout le monde à quel point Danny Boyle peut être un réalisateur fantastique – comme si cela était mis en doute.

57. Je m'appelle Joe (1998)

Réalisé par : Ken Loach

Mettant en vedette : Peter Mullan, Louise Goodall, David McKay

Une autre Ken Loach tranche d'examen social inébranlablement réel, un autre chef-d'œuvre que les masses n'auront probablement pas vu. Encore une fois, en se concentrant sur les personnes frappées par la pauvreté piégées dans le système, Mon nom est Joe suit Pierre Mullan Joe est un cinglé réformé et alcoolique qui entraîne l'équipe de football locale dans les rues méchantes de Glasgow tout en essayant d'éviter la bouteille et tout ennui. Affable, hanté et plus sympathique que Rocky, c'est un superbe tour de force de Mullan, habitué de la scène écossaise, qui mérite pleinement le prix du meilleur acteur qu'il lui a valu à Cannes. Sombre et tragique mais en quelque sorte plein d'espoir, beaucoup souhaiteront une finale moins pessimiste, mais tel est l'engagement de Loach envers le réalisme. Et vous voyez rarement des fins aussi courageuses en territoire à succès.

56. Shakespeare amoureux (1998)

Réalisé par : Jean Madden

Mettant en vedette : Joseph Fiennes, Gwyneth Paltrow, Geoffrey Rush, Ben Affleck, Judi Dench

C'était le film qui a battu Sauver le soldat Ryan à l'Oscar du meilleur film, probablement parce que c'est plus pétillant et plus frivole que l'effort de Spielberg, auquel l'Académie répond parfois. Au fur et à mesure des biopics, il y a beaucoup d'invention et peu de faits, mais c'est aussi une plaisanterie littéraire délicieusement pleine d'esprit, réimaginant la vie de Shakespeare comme, eh bien, une comédie d'erreurs shakespearienne. Le script doctoring de Tom Stoppard a laissé le scénario jonché de blagues et d'ascenseurs directs du travail du barde, tandis qu'un casting de jeux de piliers du RSC comme Judi Dench (si bon qu'Elizabeth I que son camée lui a valu un Oscar) et des parvenus américains comme alors- l'ingénue Paltrow et Ben Affleck se sont jetés dans la cabriole. Mélangeant tragédie et comédie, ce n'est peut-être pas - tout à fait - du grand art, mais c'est un immense plaisir.

55.Tom Jones (1963)

Réalisé par : Tony Richardson

Mettant en vedette : Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, Edith Evans

Le mouvement vers le réalisme social dans les films britanniques des années 1960 ne s'est pas simplement limité à nos jours ; cet effort de Tony Richardson a montré qu'il pouvait également être appliqué aux films d'époque, et aux adaptations littéraires débauchées. Albert Finney était à son meilleur arrogant et charmant en tant que jeune rapscallion du titre, élevé un bâtard par un noble gentil mais nié son véritable amour par sa faible naissance. Au lieu de cela, il se lance dans une série d'histoires d'amour, poursuivi par un rival jaloux, jusqu'à ce que tout s'enchaîne finalement à la toute dernière minute. Il est méticuleusement étudié et construit, mais le tout avec une telle insouciance et un tel flair, les personnages interagissant même avec la caméra et riffant sur le style du film (cette ouverture de film muet, par exemple), qu'il se sent à la fois complètement moderne (même maintenant) et très années 60, remportant de nombreux Oscars pour ses ennuis.

54. Dimanche sanglant dimanche (1971)

Réalisé par : Jean Schlesinger

Mettant en vedette : Peter Finch, Glenda Jackson, Murray Head

La suite de John Schlesinger à l'acteur oscarisé Cowboy de minuit est le film le plus personnel de la carrière du cinéaste. Le premier film à dépeindre un portrait non moralisateur d'un personnage homosexuel dans un rôle principal, dimanche sanglant dimanche est un ménage à trois délicieusement exploré entre le médecin juif gay de Peter Finch, la conseillère en carrière de Glenda Jackson et le sculpteur (Murray Head – celui de Une nuit à Bangkok renommée) que le couple aime tous les deux. Ce n'est pas un film sur la sexualité (bien que le baiser affectueux de Finch et Head ait fait sensation à l'époque) ; c'est un film sur les minuties de relations complexes réalisées à travers un trio de grandes performances. Gardez également les yeux ouverts pour un Daniel Day-Lewis de 14 ans dans le rôle mineur de vandale.

53. Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban (2004)

Réalisé par : Alphonse Cuaron

Mettant en vedette : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Gary Oldman, David Thewlis, Michael Gambon

Le troisième et toujours le meilleur des Potier films, c'est celui où les choses sont devenues magiques. Libéré des devoirs de création du monde que Chris Columbus avait assumé dans les deux premiers films, Alfonso Cuarón a dépouillé l'histoire, amplifié l'attitude et ajouté un avantage à la procédure. Il est également aidé par le fait que c'est peut-être le meilleur des livres, augmentant les enjeux plus significativement que tout autre versement unique, introduisant un élément d'ambiguïté bienvenu dans les salles sacrées de Poudlard avec le développement qu'un prisonnier évadé peut être responsable de la la mort des parents de Harry (ou, encore une fois, pas) et que le nouveau professeur cool peut cacher de dangereux secrets. Les films peuvent devenir progressivement plus sombres, mais celui-ci avait juste le bon mélange d'ombres et de lumière.

52. Les 39 marches (1935)

Réalisé par : Alfred Hitchcock

Mettant en vedette : Robert Donat, Madeleine Carroll, Peggy Ashcroft, John Laurie

Avant de présider l'âge d'or des studios Ealing, Michael Balcon est surtout connu pour avoir donné à un cinéaste talentueux de l'est de Londres une longueur d'avance dans l'industrie cinématographique britannique. Cet homme? Alfred Hitchcock. Il est devenu les premiers potboilers pour Balcon's Gainsborough Pictures dans les années 20 avant de traverser Londres avec Balcon pour Lime Grove Studios, le berceau de ce classique. Les 39 étapes est un recueil des marques classiques d'Hitchcock, du « mauvais homme » de Robert Donat à un sinistre MacGuffin et un camée bouleversé de Hitch qui feraient des ennemis mortels de la campagne Keep Britain Tidy. Soyez également témoin de la chimie qu'il suscite entre ses pistes romantiques – le couple fougueux de Donat et Carroll se chamaillent à travers les Highlands écossais et dans les bras l'un de l'autre – et la paranoïa toujours grandissante alors que ce réseau d'espionnage fait son travail infâme. L'identité de ces espions n'est jamais précisée, mais s'ils ne transportent pas d'éditions de voyage de mon combat , vous pouvez faire fondre nos visages.

51. Wallace & Gromit dans la malédiction du lapin-garou (2005)

Réalisé par : Steve Box, Nick Park

Mettant en vedette : Peter Sallis, Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Peter Kay

Nous espérions et priions pour que les magiciens du stop-motion d'Aardman puissent trouver un moyen de transformer nos héros de la pâte à modeler en stars de cinéma. Pourraient-ils vraiment maintenir l'esprit et le dynamisme du charmant duo de Wigan pendant une heure et demie? Wallace ne ferait-il pas une overdose de fromage en cours de route ? Nous n'avions pas à nous inquiéter. Le pétillant Malédiction du lapin-garou déborde positivement d'idées et d'énergie, éblouissant les cinéphiles avec des références sournoises à tout, des horreurs de Hammer et L'incroyable Hulk à King Kong et Pistolet supérieur , et bondit comme un chien pressé. L'intrigue, la partie que nous pensions bêtement qu'elle pourrait décevoir, oppose l'ancien élève taciturne de Dogwarts et son propriétaire mordeur de Wensleydale (Sallis) à l'ignoble Victor Quartermaine (Fiennes), prenant des lapins mutants, des courgettes primées et le chic- comme biscuits Lady Tottington (Bonham Carter) le long de la balade. Bref, c'est l'animation la plus merveilleusement anglaise qui soit.

50. Hot Fuzz (2007)

Réalisé par : Edgar Wright

Mettant en vedette : Simon Pegg, Nick Frost, Jim Broadbent, Paddy Considine, Timothy Dalton, Edward Woodward

Faire pour l'acteur copain-flic ce qu'ils ont fait pour le film de zombies avec Shaun des morts , Espacé Le trio créatif de Simon Pegg, Nick Frost et le réalisateur Edgar Wright l'a fait deux pour deux sur grand écran. Bien que pas tout à fait aussi hilarant que Shaun ou aussi frais et éblouissant que Espacé , le deuxième de leur trilogie prévue Blood and Ice Cream cloue à nouveau les clichés du genre, avec tout de Point de rupture à Mauvais garçons II (tous deux ouvertement référencés) rendus hommage avec humour. C'est d'abord un peu choquant de voir Pegg comme l'homme hétéro, mais sa chimie naturelle avec son ami de longue date, Frost, reste plus que jamais attachante. Ailleurs, le Scooby Doo -se rencontre- Pousser un cri Le mystère est parsemé des meilleurs talents britanniques, jouant les clichés des petites villes anglaises avec un grand effet dans une rencontre brillamment incongrue de vie rurale endormie et d'action violente et poignardée.

49. Regarder en arrière dans la colère (1959)

Réalisé par : Tony Richardson

Mettant en vedette : Richard Burton, Claire Bloom, Mary Ure, Gary Raymond

Quand il n'exerçait pas son charme diabolique sur Elizabeth Taylor, traînait dans les bars avec Peter O'Toole et Richard Harris ou chassait les requins à mains nues, Richard Burton était aussi un acteur magnifique. Voici une première preuve. Burton est très proche de son meilleur dans le mélodrame de Tony Richardson en tant que Jimmy Porter, un homme de jazz coincé dans le genre d'impasse remplie de rebelles britanniques de la nouvelle vague. Attisées par une fureur brûlante, les passions de Porter sont au fougueux Burton ce que Broadsword est à Danny Boy. Quand il bouillonne 'Je n'ai aucun scrupule à frapper des filles à l'école publique' à la sournoise Helena (Claire Bloom), vous savez que ce n'est pas une menace vaine. il est Le tramway de Stanley Kowalski sur trois pintes d'amer ; la chose la plus proche de Derby des années 1950 avec son propre volcan. Aussi claustrophobe et inconfortable que la pièce de théâtre de John Osborne sur laquelle il est basé, c'était la première salve de la guerre des classes du cinéma britannique.

48. À l'envers (1999)

Réalisé par : Mike Leigh

Mettant en vedette : Jim Broadbent, Allan Corduner, Timothy Spall, Kevin McKidd, Shirley Henderson

Voici un film de Mike Leigh même pour ceux qui n'aiment pas les films de Mike Leigh, le style ultra-naturaliste du réalisateur adouci par le décor d'époque et sublimé par les émotions exacerbées de ses personnages. Il n'y a pas d'évier de cuisine en vue alors que Gilbert (Broadbent) et Sullivan (Corduner) collaborent pour créer leur opéra comique d'inspiration japonaise The Mikado, entourés d'interprètes qui ont chacun leurs propres névroses et crises (et qui, accessoirement, font leur propre chant pour démarrer). Broadbent et Corduner forment un couple merveilleusement dépareillé mais qui s'admire mutuellement : l'un est un solide père de famille, l'autre un drogué amateur de pute. Le style discret de Leigh empêche que cela ne tombe dans les clichés dramatiques habituels de l'époque, et mélange la comédie et la tragédie dans quelque chose qui semble aussi chaotique et beau que la vraie vie.

47. L'homme en osier (1973)

Réalisé par : Robin Hardy

Mettant en vedette : Edward Woodward, Christopher Lee, Britt Ekland, Diane Cilento

L'homme en osier n'est pas effrayant de manière conventionnelle et, sans doute, est plus un mystère gothique qu'un film d'horreur, mais vous auriez du mal à trouver une expérience cinématographique plus dérangeante et horrible. Certainement l'un des films britanniques les plus effrayants jamais créés, il y a quelque chose d'indéfiniment troublant dans le refroidisseur culte étrangement séduisant de Robin Hardy à partir du moment où Edward Woodward pose le pied sur l'île écossaise isolée. Alors que son cuivre chrétien boutonné du continent recherche une fille supposée disparue, cet endroit étrange évolue de manière obsédante d'une petite ville d'habitants excentriques à un asile à saveur paranoïaque sans issue. En tête, Woodward n'a jamais été aussi bon (sauf peut-être dans The Equaliser), alors que personne ne menace aussi sinistrement que Christopher Lee et ses yeux brûlants.

46. ​​Le patient anglais (1996)

Réalisé par : Antoine Minghella

Mettant en vedette : Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kirsten Scott Thomas, Willem Defoe, Naveen Andrews

Si la mort d'Anthony Minghella a privé le cinéma britannique de l'une de ses voix les plus éblouissantes, cette déchirante romance de guerre témoigne de son talent. Gagnant du meilleur film, c'est une adaptation parfaitement jugée du roman de Michael Ondaatje, remplie de tendresse et de nostalgie. Alors que le soleil nord-africain s'abat sur l'énigmatique comte Laszlo de Ralph Fiennes, affreusement brûlé dans son biplan accidenté, toutes les autres considérations s'effacent sauf une : sa passion féroce pour la femme qu'il aime. Une partie de son succès est due à l'équipage stellaire que Minghella, lauréat d'un Oscar, a réuni. Le montage de Walter Murch (un autre lauréat d'un Oscar) passe du drame de l'Afrique du Nord aux routes sinueuses d'Italie, tandis que la photographie de John Seale (oui, vous l'avez deviné) nous offre l'une des meilleures publicités pour la Toscane engagée dans le celluloïd. Si vous pouvez regarder ce film et que vous ne voulez pas y aller directement et commencer à désamorcer des bombes, vous avez regardé un film différent.

45. Narcisse noir (1947)

Réalisé par : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mettant en vedette : Deborah Kerr, Sabu, Jean Simmons, David Farrar, Flora Robson

Le mélodrame gothique acclamé par la critique des Archers voit Deborah Kerr jouer Sister Clodagh, une jeune religieuse envoyée avec quatre autres sœurs pour établir un couvent dans un palais himalayen abandonné. À ce stade, les choses commencent à mal tourner. Très mal. Comme, nonne-devenir-fou-avec-jalousie-et-mettre-sur-des-quantités-unnunly-of-eye-liner mal. Essentiellement un drame psychologique, Narcisse noir La résonance émotionnelle de dans un monde moderne dépourvu de nonnes est peut-être quelque peu atténuée, mais on ne peut nier son influence parmi les réalisateurs modernes. Scorsese, pour sa part, le cite comme l'un de ses films préférés. Ensuite, il y a la cinématographie saisissante de Jack Cardiff, un vrai grand du cinéma britannique. La photographie étincelante est particulièrement étonnante si l'on considère que, bien qu'il se déroule à Darjeeling, le film a été presque entièrement tourné aux Pinewood Studios. Il n'est donc pas étonnant que Cardiff et le directeur artistique Alfred Junge aient tous deux remporté des Oscars pour leur travail. Il reste l'une des plus belles productions Technicolor de tous les temps.

44. Bête sexy (2000)

Réalisé par : Jonathan Glazer

Mettant en vedette : Ray Winstone, Ben Kingsley, Amanda Redman, Ian McShane, James Fox

Nous connaissons tous Sir Ben Kingsley, n'est-ce pas ? Petit gars, joué Gandhi , plutôt raffiné et bien parlé. Eh bien, plus maintenant. Dans cette tournure du film de gangsters, il est le chef de gang psychotique Don Logan appelant Gary Dove (Ray Winstone), heureux à la retraite, à Londres après un dernier travail. Effrayant magnétique quand il est immobile, absolument terrifiant quand il commence à cracher des blasphèmes et à agir, c'est une performance qui vous convaincra que cet homme pourrait même convaincre le gros Winstone d'obéir. Certes, le crochet du dernier travail a déjà été fait, mais la caractérisation est si fraîche et surprenante ici – et la Costa del Sol change si bien du ciel sombre habituel – qu'elle ressemble beaucoup à sa propre bête.

43. De grandes attentes (1946)

Réalisé par : David Lean

/Avec John Mills, Valerie Hobson, Alec Guinness, Martita Hunt

Le problème avec l'adaptation des romans de Charles Dickens pour l'écran est qu'il était, essentiellement, payé au mot. Les épopées tentaculaires qui en résultent ne font pas le genre de récit maigre et musclé qui se prête naturellement au cinéma. Mais ce qui est génial dans cette version de sa fable de la misère à la richesse, c'est que Lean et ses collègues scénaristes ont réussi à trouver une histoire centrale – l'amour de Pip (Mills) pour Estella (Hobson) – pour accrocher le film, tout en laissant suffisamment d'espace pour les personnages secondaires les plus mémorables (Miss Havisham de Hunt, Jaggers de Francis L. Sullivan, Magwitch de Finlay Currie et Herbert Pocket de Guinness). La photographie en noir et blanc est magnifique, certaines David Lean est le meilleur de la pré-couleur, et l'histoire est suffisamment captivante pour que vous puissiez oublier les gigantesques hauts-de-forme.

42. L'homme qui tomba sur terre (1976)

Réalisé par : Nicolas Grèce

Mettant en vedette : David Bowie, Rip Torn, Candy Clark

Si vous êtes un fan de Bowie à la recherche d'un autre film mettant en vedette Ziggy Stardust, ce n'est pas le film que vous recherchez. Alors que le spectacle rempli de marionnettes de Jim Henderson était axé sur le divertissement, le chef-d'œuvre ultra-pensif de Nicolas Roeg ne cherche qu'à faire en sorte que votre cerveau fasse plusieurs réflexions à la fois. Des couches de références recouvrent des couvertures de métaphores, transformant ce qui pourrait sembler être un simple conte 'homme hors du temps, homme hors de propos' en un classique culte qui gratte le menton. Mais c'est une très bonne chose. Donnant à la capacité d'acteur de Bowie un enfer d'entraînement, Roeg lui fait traverser des périodes d'extase, d'agonie et partout entre les deux avant de le laisser brisé, alcoolique et solitaire, à un million de kilomètres de chez lui. Pratiquement la définition du film qui exige des visionnements répétés, il est intéressant de noter que le séminal de Bowie Bas L'album contient de la musique initialement destinée à la bande originale du film, alors la prochaine fois que vous le regarderez, assurez-vous de le jouer à côté.

41. Monstres (2010)

Réalisé par : Gareth Edwards

Mettant en vedette : Scoot McNairy, Whitney Able

La plupart des films indépendants n'essaieraient même pas d'égaler les grandes photos de studio en termes de valeur de production. Et dans la plupart des cas, ils ont raison de ne pas essayer. Mais le premier réalisateur britannique Gareth Edwards a réalisé quelque chose d'étonnant avec Monstres . Non seulement il a réalisé, écrit, conçu et tourné le film lui-même (sur place en Amérique du Sud et centrale), mais il a également réalisé les effets visuels, créant des créatures extraterrestres imposantes aussi convaincantes et impressionnantes que celles que vous trouveriez dans n'importe quel Hollywood. superproduction. Personne ne devrait s'attendre à ce que le film soit un long métrage de créature à part entière; d'un coup audacieux, Edwards place l'action des extraterrestres sur Terre principalement en arrière-plan, se concentrant plutôt sur le couple (Whitney Able et Scoot McNairy) forcé de voyager à travers la «zone infectée» infestée d'extraterrestres. Une histoire d'amour de road movie avec des monstres ? Pourquoi pas?

40. M. Turner (2014)

Réalisé par : Mike Leigh

Mettant en vedette : Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Lesley Manville, Martin Savage

Oubliez les grognements, Timothée Spall La représentation de J.M.W. Turner est la représentation de son illustre carrière. Son expression physique de l'arrière-pays émotionnel profond du grand peintre apporte son lot de reniflements, de grognements et de respirations sifflantes, mais ils ne font qu'ajouter un étrange charme de roly-poly à ses interactions, en particulier avec son père (Paul Jesson), sa maîtresse et femme de ménage (Dorothy Atkinson ), et la peinture joker Benjamin Haydon (Martin Savage). Les deux premiers qu'il aime; ce dernier, il le tolère avec bienveillance. Le biopic doux et astucieux qui émerge est l'un des Mike Leigh les plus beaux moments.

39. Le travail italien (1969)

Réalisé par : Pierre Collinson

Mettant en vedette : Michael Caine, Noel Coward, Benny Hill, Tony Beckley, Rossano Brazzi

Demandez à la plupart des cinéphiles ce dont ils se souviennent le plus Le travail italien et les mots 'embouteillage de Turin', 'vol', 'Mini' et 'escapade' figureront en bonne place – et à juste titre. Mais une relecture de Boxing Day rappellera à tout fan occasionnel à quel point ce film est un triomphe comique de camp. Bien sûr, il s'agit aussi de la fierté que chaque Anglais ressent lorsque le courage et le bravoure britanniques gagnent (en partie) la journée (en quelque sorte), mais avec des personnages comme le professeur Simon Peach de Benny Hill, avec son penchant pour les femmes extra-larges, et Noel M. Bridger, le chef du crime pas tout à fait royalement nommé de Coward, c'est indéniable Le travail italien Les rires de sont fermement enracinés dans les cartes postales coquines du bord de mer et tout ce qui s'ensuit. Mais c'est à cause de cette équipe intouchable de talents comiques - Caine en particulier - ainsi que des bouffonneries de vol et du 'England! England!' vague de patriotisme qui jaillit de ces entrées d'égouts de Turin, il n'y a aucun moyen concevable que quelqu'un né sur cette île au sceptre puisse regarder Le travail italien sans craquer un sourire.

38. La Descente (2005)

Réalisé par : Neil Marshall

Mettant en vedette : Shauna Macdonald, Natalie Jackson Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder

Il a hurlé sur la scène avec un coup de loup-garou surprise, Des chiens soldats , mais Neil Marshall s'est surpassé avec ce suivi claustrophobe qui voit six spéléologues femelles piégées dans le sous-sol sombre et profond. Situé aux États-Unis (où ces choses semblent se produire plus régulièrement) mais tourné à Pinewood et sur place en Écosse, La descente prend un emplacement intrinsèquement effrayant, puis superpose des peurs à un degré presque insupportable. Ainsi, alors que vous grimacerez juste aux scènes de spéléologie de tous les jours, vous serez bientôt nostalgique de ces moments alors que vous baragouinez de peur quand tout va mal. Sa réalisation est une terreur implacable, ne laissant pas place jusqu'aux derniers instants (dans le montage américain) ou peut-être même pas alors. En fin de compte, un concept simple, habilement exécuté, avec une dynamique de personnage bien équilibrée qui sous-tend la compréhension experte de Marshall du cinéma d'horreur.

37. 28 jours plus tard (2002)

Réalisé par : Danny Boyle

Mettant en vedette : Cillian Murphy, Naomie Harris, Christopher Eccleston, Brendan Gleeson

Que nous le classions techniquement comme un film de zombies ou que nous les appelions 'infectés', il ne fait aucun doute que le film de Danny Boyle a inspiré l'horreur britannique en particulier et le genre d'horreur en général. Tourné sur une vidéo numérique qui parvient à être à la fois granuleuse et magnifique, combinant des moments de terreur à couper le souffle avec des étendues d'horreur silencieuse à la vue profondément contre nature d'un Londres vide, c'est devenu la nouvelle référence, inspirant une multitude d'imitateurs mais peu d'égaux . L'œil de Boyle pour le talent porte également ses fruits: les nouveaux venus Cillian Murphy et Naomie Harris retiennent l'attention même au cœur de la tempête, mais de nombreux membres de la horde monstrueuse les poursuivent, tandis que l'apparition tardive de Christopher Ecclestone nous rappelle que les gens n'ont pas à être infectés être sérieusement dérangeant. Pourtant, cela mérite d'être répété : les personnes infectées sont vraiment rapides et sérieusement effrayantes.

36. Si... (1968)

Réalisé par : Lindsay Anderson

Mettant en vedette : Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Christine Noonan

Malcolm McDowell, dont le talent pour mettre la botte proverbiale dans les sensibilités morales britanniques a été pleinement exprimé dans Une orange mécanique , a trouvé une âme sœur dans le vieux garçon de l'école publique et britannique New Wave-er Lindsay Anderson. Trois ans avant cette collaboration avec Kubrick, Anderson avait McDowell sur le toit du Cheltenham College équipé d'un pistolet Bren et de sérieux problèmes avec la tyrannie en robe de la vie en internat. Le titre suggère sans doute que la finale criblée de balles - Un autre pays se rencontre Les consommables – peut-être un rêve de fromage géant par l'étudiant anarchique de McDowell, Mick Travis, mais le cri passionné de rébellion de classe du film était tout à fait sérieux. La seule question : comment diable Anderson a-t-il persuadé son alma mater de le laisser filmer là-bas ? S'il y a une pire publicité pour l'internat - châtiments corporels, facking, clinique VD et tout - nous ne l'avons certainement pas vue.

35. Un poisson nommé Wanda (1988)

Réalisé par : Charles Crichton

Mettant en vedette : John Cleese, Jamie Lee Curtis, Kevin Kline, Michael Palin

Peut-être la plus belle heure comique de tous les anciens Python, Un poisson appelé Wanda a été un succès retentissant de 60 millions de dollars. Il a valu à Michael Palin un BAFTA, à Kevin Kline un Oscar et a prouvé qu'un réalisateur qui n'avait pas travaillé depuis 25 ans pouvait toujours produire un film cinq étoiles. Mis à part les récompenses et le box-office, le fait demeure: c'est sacrément hilarant. Certaines scènes restent à l'esprit, notamment le strip-tease grossièrement interrompu de John Cleese pour Jamie Lee Curtis, Michael Palin se faisant fourrer des frites dans le nez par Kevin Kline, la mort malheureuse de Mme Coady par crise cardiaque et, bien sûr, le rouleau compresseur pour en finir avec tous les rouleaux compresseurs. , mais c'est l'ensemble unifié, bizarre et fou qui en fait un incontournable pour tout fan de comédie britannique. De plus, cela a rendu possible l'œuvre britannique ultérieure de Richard Curtis en établissant que l'excentricité britannique peut se vendre, a ravivé l'intérêt du monde pour les comédies d'Ealing et a permis à un personnage du vrai nom de Cary Grant - Archie Leach, l'avocat maladroit de Cleese - de revivre sur le grand écran. Pas mal pour un film, hein ?

34. Un homme pour toutes les saisons (1966)

Réalisé par : Fred Zinneman

Mettant en vedette : Paul Schofield, Robert Shaw, Orson Welles, Susannah York, John Hurt, Corin Redgrave, Vanessa Redgrave

Calomnies récentes chez Hilary Martell Salle des loups Néanmoins, le Thomas More présenté ici par le réalisateur Fred Zinneman, le dramaturge et scénariste Robert Bolt et l'acteur Paul Scofield est le genre de type que nous pouvons tous suivre. More est au sommet du monde, un ami et un confident du roi Henri VIII, prêt pour le pouvoir et la richesse - mais il ne peut pas compromettre sa propre conscience dans la poursuite de son intérêt personnel, alors quand le roi demande le divorce et rompt avec le Church, More se met en danger. La structure, construite si inévitablement à partir des personnalités impliquées et de leurs intransigeances, est l'étoffe de la tragédie classique, et elle est magnifiquement - et avec esprit - rendue vivante ici. Des trucs somptueux, d'une époque où le drame costumé n'était pas encore un cliché à part entière.

33. Zoulou (1964)

Réalisé par : Cy Endfield

Mettant en vedette : Michael Caine, Stanley Baker, Jack Hawkins, James Booth

Même après les goûts fortement assistés par CG de 300 ou Les deux tours , zoulou reste l'ultime histoire de bataille en infériorité numérique et sous siège. Suite à l'incident réel où quelque 140 fantassins gallois ont défendu leur avant-poste isolé contre plus de 4000 guerriers pendant le conflit anglo-zoulou, son impact dépend directement de l'ampleur de votre expérience visuelle - donc rien de moins qu'un écran plat de la taille d'un Juggernaut fais. Bien sûr, la première heure environ demande de la patience, mais lorsque les Zoulous grouillants commencent à attaquer par vagues interminables, cela remue des choses, malgré le fait que le réalisateur Cy Endfield est évidemment plus à l'aise pour gérer le drame du personnage entre les attaques. Bien que trompeusement connu comme la percée d'un jeune Michael Caine (qui joue contre le type et devient - haletant ! - chic), c'est un film de guerre important à part entière, et un hommage affectueux à la lèvre supérieure raide britannique et à l'admiration de l'outsider.

32. Raison et sensibilité (1995)

Réalisé par : Le Lee

Mettant en vedette : Emma Thompson, Alan Rickman, Kate Winslet, Hugh Grant

En septembre 1995, la désormais légendaire adaptation en six épisodes de la BBC Orgueil et préjugés a commencé, tatouant fermement l'image d'un M. Darcy (Colin Firth) presque torse nu et complètement trempé sur le dessous des paupières de chaque femme britannique. Presque brutalement, Ang Lee a déchaîné Sens et sensibilité sur le public ivre de Darcy quelques mois plus tard. Les cinéphiles étaient impuissants face à ce glitzkreig de la manie de Jane Austen, faisant la queue en masse pour faire l'expérience du coup de poing Hugh Grant et Alan Rickman enfilant des culottes et se dirigeant vers la cour. Une grande partie des éloges devrait être adressée à Thompson, avec son scénario oscarisé et sa performance douce et parfaite portant le film à merveille, mais l'œil extérieur de Lee a donné vie à Austen avec une verve et une compréhension dont la plupart des cinéastes anglais ne pouvaient que s'émerveiller. Quoi de plus, Sens et sensibilité a également fait de Kate Winslet une star de cinéma vérifiable. Austen serait fier.

31. Spectacle (1970)

Réalisé par : Nic Roeg, Donald Cammel

Mettant en vedette : James Fox, Mick Jagger, Anita Pallenberg

En plus d'être l'un des plus grands réalisateurs britanniques, Nic Roeg a un don semblable à celui de Simon Cowell pour repérer les capacités d'acteur des rock stars. Il a démontré des virages étonnamment accomplis de Mick Jagger, Art Garfunkel et David Bowie (deux fois). Ce n'était pas une mince affaire dans le cas de Jagger : son Ned Kelly était plus en bois que le salon d'un koala, mais le Rolling Stone est passé à la vitesse supérieure dans le premier long métrage de Roeg. D'accord, il joue une rock star – il y a ça – mais son sang-froid décharné et aux lèvres en caoutchouc confère une qualité sérieusement subversive au film de gangster lysergique de Roeg. Ses scènes de sexe avec Anita Pallenberg, la femme fatale enfermée dans le trou de cul de Turner à Londres, n'ont pas brillamment réussi avec son compagnon de groupe, son petit ami de l'époque, Keith Richards, mais leur chimie à l'écran (et hors) a apporté de l'électricité à un Un film de gangster alternatif qui n'en manque pas vraiment pour commencer. Le capot effiloché de James Fox, quant à lui, est une étude de cas ambulante sur la répression sexuelle et la violence refoulée, tandis que les fioritures visuelles de Roeg nous attirent dans un monde minable de hipsters et d'héroïne de la fin des années 60 qui ressemble à un épisode classé X de À travers le trou de la serrure .

30. Les tueurs de dames (1955)

Réalisé par : Alexandre Mackendrick

Mettant en vedette : Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers, Katie Johnson

Le film qui a élevé la barre pour les petites vieilles dames partout, Les tueurs de dames est l'une des comédies les plus noires du répertoire des délices d'Ealing (continuez à lire). Il n'est pas difficile de comprendre pourquoi, malgré tous les défauts de leur version, les frères Coen ont tenté de la refaire. Comment pourraient-ils ne pas être chatouillés par une comédie avec un nombre de corps plus élevé que Psycho ? Rétrospectivement, Tom Hanks, JK Simmons et al ne pourraient jamais espérer égaler le joyeux hamming de Sellers, Guinness, Lom et leur gang, un défilé d'identité de méchanceté vaudeville avec suffisamment de timing comique pour réinitialiser l'horloge atomique. Chuck dans le vieux cher de Katie Johnson – et à un moment donné, ils essaient de faire exactement cela – et vous avez un biais hilarant et cynique sur la nature humaine. En fait, c'est un film si noir de goudron qu'il en fait un autre classique d'Alexander Mackendrick, La douce odeur du succès , ressemble à Curly Sue.

29. Qui (1969)

Réalisé par : Ken Loach

Mettant en vedette : David Bradley, Brian Glover, Freddie Fletcher

Toujours le meilleur film de Ken Loach, cela grave magnifiquement la relation entre Billy Casper (David Bradley), un écolier de Barnsley de 15 ans, victime d'intimidation et battu à la maison, ignoré à l'école et le bébé crécerelle qu'il nourrit et aime. C'est un fantastique mélange de poésie – le directeur de la photographie Chris Menges filme magnifiquement des séquences de Billy avec son oiseau dans les landes – et de quotidien – l'ennui et les rythmes de la vie scolaire ont rarement été capturés. Tout le monde se souvient de Brian Glover en tant que professeur de sport sadique qui s'enfuit avec un match de football farfelu, mais c'est un film plein de grandes performances, en particulier Bradley en tant que héros vulnérable et crédible. Chaque fois que quelqu'un critique l'industrie cinématographique britannique avec un La vie sexuelle des hommes de pommes de terre ou un Sortes de graisse , il est réconfortant de se rappeler que nous sommes également capables d'un éclat sublime comme celui-ci.

28. Borât (2006)

Réalisé par : Larry Charles

/Avec Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Pamela Anderson

Borat a été entièrement produit par les productions Four By Two de Sacha Baron Cohen (Cockney rime en argot pour « Juif », soit dit en passant) – et il est facile de comprendre pourquoi. Après tout, quel grand studio produirait un film sur un pseudo-journaliste kazakh raciste, sexiste et pervers qui parcourt les États-Unis à la recherche de sa nouvelle épouse – Pamela Anderson, bien sûr – tout en embarrassant les Américains à proximité et en étant généralement un connard ? Le mankini seul serait une raison suffisante pour le fuir, sans parler de l'antisémitisme et de la lutte nue (nos yeux ! Nos yeux !). Heureusement pour Baron Cohen, son humour improvisé, absurdement offensant et absurdement offensant a touché une corde sensible auprès du public cinéphile, avec un dernier gain mondial de 261 millions de dollars sur un investissement de 18 millions de dollars. Prends cet Ali G, gros bradeur, toi.

27. Les chaussures du mort (2004)

Réalisé par : Shane Meadows

Mettant en vedette : Paddy Considine, Toby Kebell, Stuart Wolfenden, Gary Stretch

La plupart des films de cette liste sont ici principalement à cause de la personne derrière la caméra. Dans ce cas, et sans manquer de respect à la direction assurée de Shane Meadows, c'est le tour époustouflant de sa star et co-scénariste, Paddy Considine, qui lui a valu une place. Il est la colonne vertébrale du film, un ex-soldat qui retourne dans sa ville natale et fait tomber un monde de douleur sur les hommes qui ont intimidé son jeune frère. Le résultat est une sorte de Sympathy For Mr Derbyshire, un regard brutal mais étrangement compatissant sur un personnage impitoyable et violent, une sorte de film slasher à l'envers. Une vitrine pour un acteur méritant et un exemple parfait de la capacité du secteur indépendant à s'attaquer à des scénarios que les studios éviteraient, c'est l'un des meilleurs films britanniques depuis des années.

26. Tombe peu profonde (1994)

Réalisé par : Danny Boyle

Mettant en vedette : Ewan McGregor, Christopher Eccleston, Kerry Fox, Keith Allen, Peter Mullan, Ken Stott

Une vague de battage médiatique a emporté ce thriller, menaçant de le noyer sous les proclamations que les Britanniques venaient, que l'Écosse était sexy, que ce gars d'Ewan McGregor pourrait bien faire pour lui-même. Eh bien, tout est vrai (sauf que l'Écosse est sexy, de toute façon), mais il y a plus à Tombe peu profonde qu'une balle dans le bras pour le cinéma britannique. L'histoire immensément élégante de Danny Boyle sur les secteurs morts, une valise pleine d'argent et une paranoïa rampante est un mélange inspiré de comédie noire et de violence sanglante, maintenu par des performances de carrière et un esprit cinglant. Trois personnages centraux aussi imparfaits et méchants sont un spectacle rare dans le cinéma américain – même dans le secteur indépendant – et ils sont entourés d'un sacré casting de soutien. Le lot bénéficie du talent de réalisateur naissant de Boyle et d'un partenariat gagnant avec l'écrivain John Hodge et le producteur Andrew MacDonald. L'alchimie complète, combinée à l'intelligence et au panache absolu présentés ici, en font un incontournable.

25. La vie et la mort du colonel Blimp (1943)

Réalisé par : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mettant en vedette : Roger Livesey, Deborah Kerr, Anton Walbrook

Winston Churchill n'aimait pas Colonel Dirigeable . C'est peut-être parce que ses conseillers l'ont rejeté comme antipatriotique, ou peut-être parce qu'il a vu quelque chose de lui-même dans le personnage de Clive Candy. Quelle qu'en soit la raison, le premier ministre préféré de tout le monde a fait de son mieux pour arrêter la production avant que les apparatchiks du ministère de l'Information et du Bureau de la guerre ne l'autorisent de toute façon. C'est tout aussi bien : Powell et Pressburger, fondateurs de la grande maison de production britannique Archers Film Productions, la considèrent comme leur plus grande œuvre. C'est certainement le film dont ils étaient le plus fiers. Traitant de la nature du patriotisme, de l'essence de la britannicité, de la notion d'honneur et de l'horreur de la guerre à travers la carrière d'un homme, c'est un film grandiose et glorieux qui est une leçon d'objets pour créer le biopic parfait – bien que fictif. De plus, Winston n'a pas eu à se soucier de tout le farrago de la censure : il s'agit probablement du film le plus patriotique de la collection de DVD d'un amateur de films - et nous incluons Le travail italien ici.

24. Lune (2009)

Réalisé par : Duncan Jones

Mettant en vedette : Sam Rockwell, Kevin Spacey

Après avoir enduré trois Transformateurs films, Guerre Los Angeles et La lanterne Verte , vous auriez été pardonné de penser que la science-fiction était laissée pour morte. Mais ensuite vint Duncan Jones Lune , un casse-tête intelligent et dépouillé qui crée du suspense et traite des questions philosophiques et éthiques complexes avec quelques décors et une seule performance centrale (de Sam Rockwell). Le montage est un peu Plein midi (High Moon?), Via le remake de science-fiction de ce film Outreterre , mais la menace extérieure (l'arrivée de 'l'aide') n'est que la toile de fond de la propre crise existentielle de Sam. Le look net et net du film est de la pure science-fiction des années 70, mais il y a des inversions intelligentes. L'assistant numérique de Sam, GERTY (Kevin Spacey), semble sinistre, mais ne fait pas de HAL. Et le gros 'twist' est en fait révélé relativement tôt. Il ne s'agit pas tant de couvrir le public avec la révélation époustouflante, mais plutôt de regarder comment le personnage – ou plutôt les personnages – réagissent.

23. Rebecca (1940)

Réalisé par : Alfred Hitchcock

Mettant en vedette : Laurence Olivier, Joan Fontaine, Judith Anderson, George Sanders

Techniquement, c'était le premier film américain d'Alfred Hitchcock – mais comme il se déroule en Angleterre et met en vedette une programmation en grande partie anglaise, nous l'autorisons malgré le soutien du studio. C'est, après tout, un exemple éclatant de la capacité de Hitch à réaliser des films à l'ancienne bien avant qu'il ne devienne connu pour ses tactiques de suspense et de choc. Ce qui ne veut pas dire qu'il n'y a pas de suspense ici : en tant que deuxième Mme de Winter, la douce Joan Fontaine s'emmêle avec une gouvernante malveillante qui compare à jamais la nouvelle venue – défavorablement – ​​à sa prédécesseure, Rebecca. Son mari éloigné n'aide pas beaucoup, et avant de pouvoir dire fête costumée, il y a des tentatives de suicide, des infidélités et des accusations de meurtre à traiter. Magnifiquement filmé et magnifiquement interprété, il s'agit d'un digne adieu au début de la carrière d'Hitchcock.

22. Samedi soir et dimanche matin (1961)

Réalisé par : Karel Reisz

Mettant en vedette : Albert Finney, Shirley Anne Field, Rachel Roberts

L'un des films clés du mouvement réaliste des années 60, c'est celui avec Albert Finney dans le rôle de l'ouvrier arrogant ('Ne laissez pas les bâtards vous broyer. C'est une chose que vous apprenez.') Qui courtise Doreen (Shirley Anne Field) et jouer avec Brenda mariée (Rachel Roberts). Il est difficile maintenant d'évaluer sa crudité, mais cela est toujours superbement mis en scène et rempli d'un désir tangible de vie meilleure. Si rien d'autre, le film s'est avéré extrêmement influent sur les musiques indépendantes du Nord; une réplique du film - 'Je veux aller là où il y a de la vie et des gens' - est apparue dans The Smiths ' Il y a une lumière qui ne s'éteint jamais , et le film a inspiré le titre du premier album des Arctic Monkeys Quoi que les gens disent que je suis, c'est ce que je ne suis pas .

21. Quatre mariages et un enterrement (1994)

Réalisé par Mike Newell

Mettant en vedette : Hugh Grant, Andie MacDowell, Kristen Scott Thomas, Simon Callow

Repensez à 1993. Hugh Grant est toujours 'le mec de ce film bizarre de Roman Polanski' ; Richard Curtis est surtout connu comme l'homme derrière les dénigrements dévastateurs de Blackadder, les gens saluaient toujours la pluie avec un mot de quatre lettres plutôt qu'une occasion de se moquer d'Andie MacDowell, et seuls les plus alphabétisés pouvaient dire W. H. Auden de WHSmith. Vous ne vous en souvenez pas ? Nous non plus. ' Quatre mariages ' (cette sténographie omet joyeusement la partie 'funérailles') est, 22 ans plus tard, une institution britannique réconfortante. Une grande partie de sa longévité est due au dialogue ludique de Curtis qui donne au romantique maladroit de Grant et à l'outsider timide d'Andie MacDowell, séduit et déconcerté à parts égales, assez d'or pour charmer même les cœurs les plus granitiques. C'est une véritable boîte de Pétri d'idiosyncrasies et d'humour britanniques ('Etes-vous en train de me dire que je ne connais pas mon propre frère !'), avec une satire légèrement taquine mélangée pour faire bonne mesure. Si jamais un extraterrestre vous demande d'expliquer comment les classes moyennes anglaises se voient, montrez-leur ceci. Alors allez chercher de l'aide.

20. Une question de vie ou de mort (1946)

Réalisé par : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mettant en vedette : David Niven, Kim Hunter, Raymond Massey, Marius Goring, Roger Livesey

Si vous y réfléchissez, c'est un mélange très étrange de sujets. Un pilote de la Seconde Guerre mondiale est abattu au-dessus de la Manche par une nuit brumeuse - mais dans la brume, son âme n'est pas recueillie immédiatement, le conduisant à se laver à terre et à tomber amoureux de l'opérateur radio qui avait été son dernier contact, avant -crash. Il est alors, essentiellement, jugé pour sa vie, avec le ciel d'une part préoccupé par le fait qu'il était destiné à mourir, mais d'autre part forcé de considérer le nouvel élément qu'il est tombé amoureux. Nous avons donc de la romance, de la métaphysique, des confusions bureaucratiques et de la guerre, ainsi qu'un soupçon de ping-pong pour faire bonne mesure – loin d'être votre blockbuster typique. Pourtant, grâce aux scénaristes-réalisateurs sûrs et au personnage de type plus anglais et jamais plus sympathique de David Niven, il s'agit d'un pleurnichard de guerre mémorablement différent.

19. Le Long Vendredi Saint (1980)

Réalisé par : Jean Mackenzie

Mettant en vedette : Bob Hoskins, Helen Mirren, Derek Thompson, Bryan Marshall, Eddie Constantine

Bien avant l'arrivée de Guy Ritchie et de Jason Statham, John Mackenzie a placé la barre haute pour les films de gangsters britanniques avec des films bruts et toujours influents. Long Vendredi Saint . C'est daté, bien sûr, mais il y a une foule de séquences mémorables (y compris l'infâme interrogatoire avec un crochet à viande), une partition de saxo incroyablement accrocheuse et le dialogue le plus salé de ce côté de Michael Caine ('A sleepin' partner's one thing - but tu es dans un putain de coma !'). En tant que cheville ouvrière de l'East End dont l'empire s'effondre rapidement, Bob Hoskins offre une performance imposante (découvrez sa scène finale sans paroles), tandis qu'une jeune Helen Mirren scintille en tant que femme fatale sexy et que le soutien est jonché de visages familiers (dont Pierce Brosnan, quelques habitués de Ritchie et Charlie de Victime ). Produit pour un dérisoire 930 000 £ (impensable de nos jours), il n'a pas le lustre des imitateurs d'aujourd'hui, mais dans tous les autres départements, cela les épate.

18. Monty Python et le Saint Graal (1975)

Réalisé par : Terry Gilliam, Terry Jones

Mettant en vedette : Graham Chapman, John Cleese, Terry Jones, Michael Palin, Eric Idle

Le premier film narratif (ish) de Monty Python n'a peut-être pas la morsure de Brian, mais c'est une bêtise tellement inspirée qu'elle ferait rire une pierre. S'inspirant de la légende arthurienne mais rempli de commentaires sociaux (ou du moins de comédie), de touches anachroniques et d'intermèdes surréalistes, c'est peut-être le film le plus cité et le plus cité de toute la liste, et mérite également nos remerciements pour avoir sauvé le groupe après avoir presque brûlé après trois séries télévisées et la sous-performance And Now For Something Completely Different. Des arbustes aux parents qui sentent les baies de sureau aux blessures de chair et aux femmes qui pèsent plus que des canards, toute la vie humaine est ici - tant qu'elle est, comme les Pythons eux-mêmes, à la fois extrêmement stupide et très, très intelligente. Elvis a commandé une copie de ce classique de la comédie et l'a regardé cinq fois. Si c'est assez bien pour le roi, c'est assez bien pour vous.

17. Billy Elliot (2000)

Réalisé par : Stéphane Daldry

Mettant en vedette : Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis, Jamie Draven

Ce qui a rendu ce drame de passage à l'âge adulte si frais n'était pas seulement le mélange rafraîchissant et non évident de sujets, mais l'habileté avec laquelle ils ont été réunis. La grève dévastatrice des mineurs de 1984 est la toile de fond, mais au premier plan se trouve un garçon de 11 ans qui veut apprendre le ballet. Les problèmes auxquels il est confronté sont immenses : l'argent, la classe (même si c'est juste un peu exagéré dans la scène des auditions) et le manque total d'expérience de sa ville avec les garçons qui aiment le ballet. L'enseignante Mme Wilkinson (Julie Walters) se retrouve presque obligée de traduire entre le monde du ballet et celui des mineurs. En fin de compte, cependant, la perplexité mutuelle entre Billy et son père bourru, et le véritable amour qui se révèle en dessous, sont la clé pour faire monter encore plus haut que ces derniers jets.

16. Doigt d'or (1963)

Réalisé par : Guy Hamilton

Mettant en vedette : Sean Connery, Honor Blackman, Gert Frobe, Shirley Eaton, Harold Sakata, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn

Pour beaucoup d'entre nous, Le doigt d'or est toujours l'expérience James Bond par excellence. Occupant le juste milieu entre les deux premiers versements plus réalistes et les Connerys plus tard de plus en plus fantastiques, le troisième 007 a cloué l'équilibre parfait de la formule bondienne. Prenant ce que le public aimait déjà (Sean, filles, espionnage, lieux exotiques) et insufflant de nouveaux ingrédients (thème popstar, séquence de pré-crédits sans rapport, Q grincheux), le modèle ici est devenu la référence et se gonfle d'éléments emblématiques. Connery à son apogée virile, l'Aston Martin avec siège éjectable, Shirley Eaton recouverte de peinture dorée, le brillant stratagème d'ouverture du smoking sous la combinaison, l'échange de faisceaux laser souvent cité (« Vous attendez-vous à ce que je parle ? »). 'Non Mr Bond, je m'attends à ce que vous MOURIEZ !'), le brillamment nommé Pussy Galore, un méchant menaçant qui pourrait gagner - c'est Bond (et la Grande-Bretagne) à son meilleur. Est-ce qu'on s'attend à ce que ça vous plaise ? Non, nous nous attendons à ce que vous l'aimiez.

15. Pont sur la rivière Kwai (1957)

Réalisé par : David Lean

Mettant en vedette : William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, Sessue Hayakawa

Impossible à décrire avec le mot 'épique', David Lean Le drame de construction de ponts de la Seconde Guerre mondiale, acclamé à juste titre, est grandiose, rempli de spectacles et, bien, épique. Bien qu'il ne présente pratiquement aucune guerre réelle et qu'il bénéficie d'une durée de fonctionnement qui engourdira vos fesses comme une randonnée à dos de chameau à travers la version grand écran de Lean d'Arabie, cet aimant de récompense est un classique froid comme la pierre (ou, devrait-il être étouffant?) Classique. Il y a une cinématographie luxuriante et une distribution de premier ordre, mais c'est le parcours psychologique sous-jacent du personnage d'Alec Guinness, obstinément provocateur et infatigable, le colonel Nicholson qui reste avec vous. Déterminé à trouver un moyen de garder ses hommes ensemble et de remonter le moral, il saute sur le travail de construction de ponts qui leur est assigné comme moyen d'atteindre ses objectifs - oubliant plutôt, au moins temporairement, l'aide qu'il apporte à l'ennemi. Sa réalisation éventuelle de son erreur est inoubliable. Cela, et le sifflet contagieux et désormais tristement célèbre du 'Colonel Bogey March' (celui qui est souvent utilisé pour 'Hitler, n'en a qu'un...').

14. Le troisième homme (1949)

Réalisé par : caro roseau

Mettant en vedette : Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard

Le noir britannique à son meilleur, le classique de Carol Reed est adoré pour beaucoup de choses. Il y a la cinématographie très appréciée de Robert Krasker, une masterclass en clair-obscur pleine d'angles et d'ombres qui ne demandent pratiquement qu'à être remplies de méchants; le twang incomparable de la cithare d'Anton Karas; et le vétéran de la guerre des enfers jonché de décombres, Reed, traduit si brillamment le thriller de Graham Greene. Ensuite, il y a cette dispute très citée sur les Suisses, les horloges à coucou et tout. Harry Lime (Orson Welles), un méchant pour les âges et le cœur sombre du film de Reed, plane sur tout cela. Là où les Viennois ravagés par la guerre voient le chagrin, Lime entrevoit une opportunité : il est fondamentalement le prototype d'un certain nombre de gestionnaires de fonds spéculatifs. Même s'il est le méchant le plus odieux de ce côté de Pinkie de Brighton Rock, le cinéma britannique serait bien plus pauvre sans lui. Mais il a besoin de se perfectionner en horlogerie : ce sont les Allemands qui ont inventé la pendule à coucou.

13. Voix lointaines, natures mortes (1988)

Réalisé par : Terence Davies

Mettant en vedette : Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams

Arraché à sa propre enfance dans le Liverpool des années 40 et 50, le long métrage brutal mais poétique de Terence Davies est moins un film qu'un souvenir filmé. La première partie, plus dure, Distant Voices, dépeint la vie en temps de guerre et le règne de terreur que le père de Davies - brillamment réalisé par Pete Postlethwaite - infligea à la famille tandis que la seconde Still Lives retrace la vie plus heureuse de sa mère stoïque (Freda Dowie) et sœur Eileen (Angela Walsh) dont le mariage représente une bouffée d'air frais dans la maison Davies. Cela peut ressembler à un feuilleton télévisé, mais Davies trace les hauts (célébrations de mariage, chants de pub) et les bas (violence domestique, espoirs anéantis) de la vie quotidienne dans de magnifiques plans de suivi et des choix de musique inspirés qui ne pourraient pas être plus éloignés de la cuisine évier. C'est une montre difficile - surtout si vous avez été sevré de la narration conventionnelle - mais il n'y a pas de film plus personnel, plus époustouflant et plus émouvant sur cette liste.

12. C'est l'Angleterre (2005)

Réalisé par : Shane Meadows

Mettant en vedette : Thomas Turgoose, Stephen Graham, Jo Hartley, Andrew Shim

Depuis le générique d'ouverture du classique ska de Toots & The Maytals 54-46 (c'est mon numéro) , rythmiquement synchronisé avec un défilé d'identité de héros et de méchants de l'ère des Malouines, on avait le sentiment que Shane Meadows allait livrer un film à la hauteur de son titre d'énoncé de mission. Et cela s'est avéré, même si le certificat draconien 18 du BBFC signifiait que les personnes auxquelles il était destiné ne pouvaient pas le voir. Situé dans les boondocks du Nottinghamshire, C'est l'Angleterre est une tranche de réalisme britannique avec une énergie qui lui est propre, un film avec un sérieux feu dans le ventre. La source de son zèle, Meadows, pointe des pieds entre brutalité et tendresse avec l'aplomb d'un danseur - quoique un danseur qui ressemble un peu à un accessoire en avant. C'est une célébration de l'amitié, une lettre d'amour à l'adolescence de son réalisateur (Shaun de Thomas Turgoose remplace le jeune Meadows) et un grand vieux signe «V» au Front national. Il a également engendré une formidable télé sous la forme de Channel 4 C'est l'Angleterre série dérivée. Assez bon pour un film 'culte' autoproclamé.

11. Une orange mécanique (1971)

Réalisé par : Stanley Kubrick

Mettant en vedette : Malcolm McDowell, Godfrey Quigley, Anthony Sharp, Patrick Magee, Warren Clarke

Malcolm McDowell a toujours affirmé qu'en faisant Une orange mécanique il avait l'impression que c'était une comédie. Comme dirait Hans Gruber : 'Ho... ho... ho'. A sa sortie en 1971, au milieu d'un ouragan de polémique qui conduira finalement Stanley Kubrick à retirer son film des salles de cinéma, un commentaire comme celui-là aurait eu Courrier quotidien lecteurs bafouillant dans leur thé du matin. Maintenant, cependant, cela semble en quelque sorte approprié: le saccage de 20 minutes par les droogs, la «réhabilitation» d'Alex et le recrutement de ses amis dans la police, etc., sont à leur manière sombres et tordues, extrêmement drôles. Mais, plus important encore, ils sont aussi prémonitoires. À ce jour, son impact sur le spectateur pour la première fois ne peut être nié. Ici, cinéphiles, voici un cours intensif d'humanisme (avec des godes massifs, des orgies et un lavage de cerveau) que seul Kubrick pouvait offrir.

10. Withnail & moi (1987)

Réalisé par : Bruce Robinson

Mettant en vedette : Richard E. Grant, Paul McGann, Richard Griffiths, Michael Elphick

Une autre entrée de la maison de mini-production britannique Handmade, c'est l'un de ces chefs-d'œuvre qui n'a presque pas eu lieu. Le producteur Denis O'Brien détestait les premiers rushs et menaçait de virer le scénariste/réalisateur Bruce Robinson – qui avait déjà démissionné une fois avant le déjeuner du premier jour. Pourtant, d'une manière ou d'une autre, tous ont persévéré comme un acteur alcoolique cherchant avec détermination son prochain petit verre, et tout a fonctionné. Le film est peut-être l'un des meilleurs scénarios sur la page jamais écrits, animé par des performances décalées et un style discret que le grand public ne rêverait tout simplement pas d'essayer. Malheureusement, une grande partie de sa popularité a été au sein de la communauté étudiante, qui se concentre sur la consommation excessive d'alcool et croit toujours que citer sans cesse les lignes (souvent de manière incorrecte) les rendra aussi drôles que les personnages principaux, mais ne laissez pas cela aigrir le génie. .

9. Héros local (1983)

Réalisé par : Bill Forsyth

Mettant en vedette : Peter Riegert, Peter Capaldi, Burt Lancaster, Dennis Lawson, Jenny Seagrove

Nous savons tous ce qui se passe lorsque les grandes entreprises tentent de s'implanter dans une petite ville, n'est-ce pas ? Ils sont accueillis avec une hostilité universelle et jetés sur leur oreille - ou, dans ce cas, pas tout à fait. Certes, le magnat Burt Lancaster a des projets sur le petit village écossais de Ferness et y envoie son agent, 'Mac' MacIntyre (Riegert) pour sceller l'affaire, et certainement les choses ne se passent pas bien, mais il y a peu d'hostilité et pas de véritable conflit ici . Mac revient progressivement au mode de vie plus lent du village, alors même que les villageois bondissent sur l'argent qui devrait découler des achats de pétrole - et si les choses ne se passent pas tout à fait comme prévu, eh bien, tout est bien qui finit bien. Magnifiquement tourné et mélangeant à la fois fantaisie et réalisme têtu, c'est le film le plus agréable à avoir jamais présenté une chaudière de lapin (littérale).

8. Trainspotting (1996)

Réalisé par : Danny Boyle

Mettant en vedette : Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kevin McKidd, Kelly Macdonald

Trainspotting n'a pas tant revigoré le cinéma britannique que propulsé l'héroïne cinématographique dans sa veine. En adaptant le roman culte d'Irvine Welsh, le réalisateur Danny Boyle a fait équipe avec le talent créatif gagnant derrière Shallow Grave (producteur Andrew Macdonald, scénariste John Hodge) et le résultat est une autre ruée décalée de cinéma sombre et orgasmique. Ignorant les arguments des tabloïds quant à savoir si le film glorifie ou non la consommation de drogue (ce n'est pas le cas), une représentation minable de la sous-culture junkie d'Édimbourg ne devrait tout simplement pas être aussi agréable. Mais en fusionnant un style follement imaginatif (le plongeon de Renton dans les toilettes les plus sales d'Écosse) avec un dialogue naturaliste mais plein d'esprit, une bande-son incroyablement emblématique, des images vraiment dérangeantes (le bébé, n'importe qui?) Et, euh, Dale Winton, il a parlé au ' Génération chimique des années 90. Du psycho taché de Robert Carlyle au Wideboy adorateur de Connery de Jonny Lee Miller, il regorge également de personnages mémorables dignes de citations, tandis que Mark Renton reste la performance de la carrière d'Ewan McGregor.

7. Coeurs gentils et couronnes (1948)

Réalisé par : Robert Hamer

Mettant en vedette : Dennis Price, Alec Guinness, Joan Greenwood, Valérie Hobson

Une satire de classe mordante, une farce hilarante, une comédie d'un noir absolu, c'est le joyau de la couronne scintillante d'Ealing Studios. Oh, c'est peut-être amoral et complètement méchant, mais cela ne fait qu'ajouter au délice de ce conte, dans lequel une ramification appauvrie d'une famille noble, Louis Mazzini (Price) assassine ses relations (tous joués par Guinness) sur son chemin vers un titre . Price est incroyablement bien placé dans le rôle principal, mais c'est Guinness qui a retenu le plus l'attention dans une succession de virages nobles qui couvrent toute la gamme du fop au fogy en passant par les suffragettes. Avec une voix off sauvage dégoulinant de bons mots ('Il est si difficile de faire un travail soigné en tuant des gens avec qui on n'est pas en bons termes') et un méchant complet comme héros, ce n'est pas aussi câlin que, dire, Passeport pour Pimlico ou Whisky à gogo ! , mais c'est une aberration follement divertissante pour le studio.

6. Shaun des morts (2004)

Réalisé par : Edgar Wright

Mettant en vedette : Simon Pegg, Kate Ashfield, Lucy Davis, Nick Frost, Dylan Moran, Bill Nighy

À Shaun des morts 's grand et beau cœur, il y a une seule blague simple : les Londoniens d'aujourd'hui se comportent un peu comme des zombies, alors que se passerait-il s'il y avait une véritable apocalypse zombie ? Est-ce que tous les navetteurs du métro qui se grattent les fesses le remarqueraient même ? Porté à l'écran par la Holy Comedy Trinity c'est-à-dire Simon Pegg, Nick Frost et Edgar Wright, c'est un chef-d'œuvre, à la hauteur de Evil Dead 2 comme l'une des plus belles comédies d'horreur jamais réalisées. C'est un film tellement bon que même si vous n'aimez pas l'horreur, vous adorez ce film. C'est un film tellement bon que même si vous n'aimez pas le Espacé équipage, vous aimez ce film. C'est parce qu'il a été écrit, produit et joué avec une telle passion, une telle énergie et un charme pur et pur qu'il est presque impossible de ne pas en profiter. Peu importe les exploits magnifiques que le trio accomplira à l'avenir, nous soupçonnons sournoisement que Shaun des morts restera le favori de beaucoup de gens.

5. Brève rencontre (1945)

Réalisé par : David Lean

Mettant en vedette : Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey

Peut-être le plus grand pleurnichard jamais créé, cela garantit de faire légèrement trembler chaque lèvre supérieure raide. Johnson est Laura, la femme au foyer qui noue une amitié innocente avec Alex de Trevor Howard, un médecin qu'elle rencontre en ville lors de sa virée shopping hebdomadaire. Mais l'amitié se transforme en quelque chose de plus, et avant que vous ne puissiez dire thé et crumpets, ce couple respectueux et plutôt posé envisage de tout jeter par amour. Preuve que des puits profonds d'émotion humaine existent même sous le gilet le plus serré, ce film a de fortes prétentions d'être le film le plus anglais jamais réalisé (avec C'est l'Angleterre , bien sûr) - avec des tasses de thé sans fin et une visite à Boots pour faire bonne mesure.

4. Ne regarde pas maintenant (1973)

Réalisé par : Nicolas Grèce

Mettant en vedette : Julie Christie, Donald Sutherland

Mettant en vedette le nain le plus célèbre de ce côté de Thorin Oakenshield, des virages profondément poignants de Donald Sutherland et Julie Christie, et cette célèbre scène de sexe (ils ne l'ont pas fait), le grand chef-d'œuvre de Nic Roeg s'est lentement infiltré dans Tradition cinématographique britannique. Il regorge de moments indélébiles - le voyant aveugle dans le restaurant; l'échafaudage qui s'effondre ; le point culminant sanglant - et dégage une menace humide qui vous enveloppe comme un brouillard vénitien. Beaucoup vient fidèlement des pages de la nouvelle de Daphné Du Maurier. Il y a cependant un petit mais crucial switcheroo : la fille des Baxter ne meurt pas de méningite mais se noie sous son propre nez, ajoutant de la culpabilité au grondement des émotions que ressent le couple en deuil. L'habileté de Roeg à créer une atmosphère et à manipuler la chronologie, si novatrice à l'époque, en fait l'un des films les plus influents du cinéma. Demandez à Steven Soderbergh, Christopher Nolan ou Danny Boyle.

3. Les souliers rouges (1948)

Réalisé par : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mettant en vedette : Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Goring

Il y a une raison pour laquelle la plupart des critiques de Cygne noir a rappelé ce classique d'après-guerre de Powell et Pressburger : il s'agit du film définitif sur lequel un danseur de ballet trouve la vie en conflit avec l'art. Tournée en Technicolor, pour mieux faire saigner ces chaussures rouges dans la vie, Moira Shearer joue la jeune ballerine passionnée avec un mélange parfait de passion et d'obsession. Elle est prête à tout sacrifier pour danser - au moins au début et c'est quelque chose dont Svengali Lermontov (Walbrook) profite impitoyablement, la poussant vers la célébrité mais ne voulant pas accepter tout ce qui menace son dévouement. Alors il fuit le jeune compositeur Julian (Goring) pour la garder dans l'entreprise - mais les émotions humaines peuvent-elles être si facilement contrôlées ? Le décor est planté pour une sorte de résultat explosif, bien que même ceux qui ont lu l'histoire sombre et plutôt tordue de Hans Christian Anderson qui l'inspire seront choqués de voir comment cela se passe. C'est peut-être mélodramatique, mais c'est tourné de manière lumineuse et a juste assez de côté sinistre pour saper toute accusation de féminité.

2. La vie de Brian des Monty Python (1979)

Réalisé par : Terry Jones

Mettant en vedette : Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terry Gilliam

La plupart d'entre nous connaissent maintenant les origines du deuxième film de Python - lors d'une conférence de presse, Eric Idle a suggéré en riant que leur prochain projet serait 'Jesus Christ: Lust For Glory'. Ce qu'ils ont finalement trouvé était bien meilleur - une satire inégalée sur la religion, et très probablement le film le plus drôle jamais réalisé. Le problème était que personne dans le milieu du cinéma n'avait les couilles pour le faire. Dès sa séquence d'ouverture (la première blague est une chute), il est évident que ce sera Python du plus haut niveau, mais c'est la cohésion de l'histoire qui fait que tout cela fonctionne si bien. En envoyant non pas le Christ (qui est, techniquement parlant, traité avec révérence et tenu à distance), mais tous les petits fanatiques politiques et opportunistes qui l'entouraient, la troupe avait finalement trouvé dans leur sujet une idée suffisamment mûre pour le ridicule. pour s'adapter à leur taux de bâillonnement rapide et à l'étendue de leur style. Bien sûr, Brian n'est pas le Messie (ce serait le garçon du coin), mais vous essayez de leur dire - et aux financiers - cela. Entrer Apergo Beatle préféré et pierre angulaire de l'industrie cinématographique britannique pour la prochaine décennie, George Harrison (et son argent), et le reste appartient à l'histoire. La création de Handmade Films. Tumulte. Outrage. La censure. Génie.

1. Lawrence d'Arabie (1962)

Réalisé par : David Lean

Mettant en vedette : Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins, Omar Sharif

Dépouiller son échelle et sa grandeur et Laurence d'Arabie semble être le genre de conte de chiffons à la richesse qui coûte deux dollars au cinéma: un homme ordinaire secouant la médiocrité pour répondre à l'appel de la grandeur. C'est Rocky en robe bédouine. Sauf que, bien sûr, c'est bien plus que ça. Plus de trois heures et demie David Lean nous dresse le portrait d'un homme criblé de contradictions, inondé de doutes et rempli de suffisamment de blocages pour donner à Freud la migraine. A travers son voyage légendaire, Peter O'Toole c'est T.E. Lawrence unit d'une manière ou d'une autre les tribus arabes et les conduit à travers Aqaba et sur le chemin ensanglanté vers la nation. Si 'El-Aurens' est suffisamment complexe pour supporter la comparaison avec Charles Foster Kane ou Michael Corleone, sa co-vedette, le vaste et magnifique désert d'Arabie, mérite pleinement une deuxième affiche. Capturé dans tout son balayage grand écran par les caméras de Freddie Young et exprimé par la partition émouvante de Maurice Jarre, c'est à la fois un ami, un ennemi, un réconfort et un observateur implacable ; une toile épique sur laquelle Lean peint une image épique.

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